Espacio Cusachs

Delfín Salas, por Enrique Campiña

2012-01-27T16:54:00.011+01:00

En una actualización de 9 de Julio de 2010, hablé por primera vez de Delfín Salas, uno de los pioneros de la moderna ilustración militar en nuestro país. En aquel artículo mencionaba la dificultad que había tenido a la hora de en encontrar información acerca de este artista. Pues bien, con el fin de complementar aquella primera biografía, he decidido plasmar en este espacio el texto de Enrique Campiña -otro artista de la ilustración militar- publicado a finales de los 70 en la extinta revista Arte y Milicia, y que nos acerca un poco más a la vida y obra de Salas.

En Delfín Salas se da la envidiable conjunción de su juventud y la madurez artística, fruto posiblemente de unas excepcionales dotes como dibujante, un aprendizaje orientado desde la infancia y una labor sorprendentemente intensa.

Hijo y nieto de dibujantes, Salas, el teniente Salas, lleva en la sangre el arte y la milicia, y ha esta profesión a quien sirve con sus pinceles con fidelidad y amor.

La obra de Salas es amplia y diversificada, pero su común denominador es la representación plástica de las virtudes inherentes a la profesión militar: el valor, la disciplina, el sacrificio, etc…, y de la tradición, que encadena todo ello con la historia gloriosa de los Ejércitos.

Por eso no se debe de dejar a un lado, a la hora de enjuiciar su obra, su calidad y vocación de Uniformólogo, con la que se integra en ese grupo de dibujantes que desde dentro o fuera de la profesión militar tratan de divulgar en España y en el extranjero la historia de nuestros uniformes.

La labor artística de Delfín Salas no es fruto de la improvisación. Sus estudios le llevaron a ejercer como profesor de la Escuela de Artes Aplicadas a Restauración. Colaboró en revistas profesionales y, como tantos otros dibujantes, templó sus armas en el duro templo del comic para publicaciones extranjeras.

En la pintura, sus obras, casi siempre de tema militar, se han colgado en numerosas exposiciones, ganando en 1969 el Premio Especial de Pintura de la Jefatura Provincial del Movimiento y en 1974 el Premio Ejército. Dibujos suyos se exhiben en el Museo de Sacramento (EEUU) y en el de Las Casas Reales de Puerto Rico.

Como es inevitable, en su pintura, fuerte y realista, destaca notablemente su capacidad como dibujante, que quizá minimice otros positivos valores plásticos.

Las postales de uniformes que Salas realizó para el Centro de Ayudas a la Enseñanza son bien conocidas a nivel profesional, y actualmente trabaja en otra serie de láminas para el Servicio Geográfico del Ejército, para lo que puede ser una importante historia iconográfica de los uniformes españoles.

Hoy, Delfín Salas Carmena es ya una figura importante en la pintura militar, y todo parece indicar que lo será aún más en un futuro próximo.

Enrique Campiña

Navidad, tiempo de exposiciones de miniaturas.

2011-12-16T16:58:00.006+01:00

Desde hace tiempo, las navidades han sido las mejores fechas para que varias asociaciones modelísticas de nuestro país, realicen exposiciones y muestren al público todo el universo de miniaturas, maquetas y modelos a escala, confeccionadas o coleccionadas a lo largo del año. Lo de tradicional, impresionante y colorista de nuestra afición, no solo hace disfrutar a los niños, sino que encanta a los mayores, siendo, por lo general, exposiciones exitosas y muy visitadas.

Así, la veterana Asociación “Dos de Mayo” de Miniaturistas Militares de Madrid, celebran en estos días los "30 años de exposiciones" en el Museo de la Ciudad (C/Príncipe de Vergara, 140. Madrid). La muestra se mantendrá abierta del 13 de Diciembre al 13 de Enero, y esta dedicada a los 300 años del Arma de Ingenieros, los 200 años de la creación de la medalla de San Fernando, el centenario del cuerpo de Regulares y los 25 años de la mujer en el ejército.

Para dicha exposición, la asociación ha creado un recortable dedicado al Cuerpo de Regulares, concretamente al tabor de regulares de Melilla nº2, hacia 1927. También, y como todos los años, ha puesto a disposición del público la tradicional figura conmemorativa: una soldado de Regulares, modelada por José Hidalgo en los talleres de F. M. Beneito

En las mismas fechas pero en Zaragoza, se celebra la XXIV Muestra de Miniaturismo de Aragón, otra de las muestras más veteranas en España. Las fechas para poder visitarla son del 20 de Diciembre al 6 de Enero, en la Sala de la Agrupación Artística Aragonesa (C/ Lagasca, 23. Zaragoza). Al igual que sus colegas de Madrid, los aragoneses llevan años confeccionando una serie de figuras conmemorativas de las unidades que participaron en los Sitios de la ciudad durante la Guerra de la Independencia. Este año le ha tocado el turno a un Teniente de artillería y a un Cazador de Olivenza, ambas modeladas por Antonio Zapatero.

En el sur, la Agrupación de Miniaturistas Militares de Málaga “Comandante Benítez” organiza del 2 al 30 de Diciembre, en el Centro Cultural Pablo Ruiz Picasso (C/ de la Cruz, 42. Torremolinos), la VIII Exposición de Miniaturas Militares en Torremolinos. Este año, como temas a dedicar, se han escogido la figura del malagueño D. Bernardo de Gálvez (1746-1786) héroe de la campaña de Pensacola, el Centenario de la creación de la Fuerzas Regulares Indígenas, y el Centenario de la Aviación española.

Por último, en el Museo valenciano de L’Iber (C/ Caballeros, 20. Valencia), y hasta Junio de 2012, se puede admirar la exposición “Batallas de Napoleón” , una muestra de 4.000 soldaditos de plomo que representan principalmente la Retirada de Rusia, las batallas de Austerlitz y Waterloo, y una serie de viñetas, dioramas y figuras sueltas dedicadas a la Guerra de la Independencia en la Península Ibérica. Uniformes en maniquíes, objetos de época y efectos militares, láminas y grabados de uniformología completan la exposición.

El Pirala y Alaminos

2011-12-02T19:01:00.013+01:00

El siglo XIX, como hemos dicho en varias ocasiones, fue excepcionalmente rico en manifestaciones artísticas de índole histórico. El nacimiento y desarrollo de la prensa escrita, la turbulencia de este período, lleno de grandes acontecimientos políticos y militares, y el auge de una nueva identidad nacional, propició que numerosos artistas dedicasen su talento a plasmar, de una u otra manera, la historia de España.

Al amparo de estos tiempos, donde el desarrollo industrial de la imprenta tendría una gran importancia, nacían los primeros libros de historia de uso popular y profusamente ilustrados. Así, Serafín María de Sotto (Conde de Clonard) publicaba los Álbumes de la Infantería y Caballería española (1861), Manuel Giménez González sacaba a la luz El Ejército y la Armada (1862) y Francisco Barado, entre otros, hacía lo propio con Museo Militar (1882) y La Vida Militar en España (1888) ambos ilustrados por Josep Cusachs.

Pero fue Antonio Pirala Criado (1824-1903) quien documentó de manera más precisa y exhaustiva lo de convulso que el siglo XIX tuvo, almacenando datos y documentos de todas las procedencias -dada su amistad con los principales protagonistas militares y políticos de su tiempo- para a continuación plasmarlo en varias obras, hoy en día consideradas fuente indispensable para el conocimiento profundo de aquella época.

Los tres tomos de Historia de la Guerra Civil y de los partidos Liberal y Carlista; corregida y aumentada con La Historia de la Regencia de Espartero (1868), y los cinco volúmenes con La segunda parte de la Guerra Civil: Anales desde 1843 hasta el fallecimiento de Don Alfonso XII (1875), conforman su legado más importante.

Además, apoyando a dichas obras encontramos la parte gráfica: una colección de más de cincuenta grabados, la mayor parte de ellos firmados por Alaminos, que ayudan a sumergir al lector en una apasionante lectura.

Del ilustrador y grabador Juan de Alaminos, natural de Baeza (Jaén), poco o nada sabemos. A parte de ilustrar la obra de Antonio Pirala (sin que tristemente le dedique una sola línea en toda ella), tan solo se le conocen dibujos para el Quijote. La obra de este artista para “el Pirala” no se puede catalogar de obra de arte, si bien su dibujo entre el apunte de campo y lo naif, entre lo infantil y lo documentalista, en cualquier caso fresco y colorista, constituye una magnifica fuente de información para estudiosos y uniformólogos, siendo citado en infinidad de tratados posteriores.

He querido con el recuerdo de este artista, reconocer el trabajo de muchos dibujantes, ilustradores y grabadores del siglo de la revolución gráfica, siendo el primero de una pequeña lista a mostrar. De momento, para quien este interesado, he añadido a la colección de obras de “La Pinacoteca” unas cuarenta ilustraciones de Alaminos. Que las disfrutéis.

La tierra del Cid

2011-11-25T16:02:00.005+01:00

Durante los próximos 9, 10 y 11 de diciembre tendrá lugar en Burgos el concurso de modelismo que la Asociación de Modelismo Estático de esta ciudad castellana celebra cada dos años. En su sexta edición, el denominado “Certamen Tierras del Cid”, es un acontecimiento consolidado en el circuito de concursos españoles, por el que pasan algunos de los modelistas más reputados del país.

Uno de los aspectos que hacen de este certamen un evento especial y diferente a los demás, es la apuesta del propio Ayuntamiento de Burgos por enaltecer su propia historia, convocando un premio especial -dotado con mil euros- a la mejor obra de temática española, dando preferencia a aquella dedicada a la historia de la ciudad.

Rodrigo Díaz de Vivar –El Cid-, fue el protagonista de este premio en la última edición, obra presentada a concurso por el artista hispano-argentino Julio Cabos, y que representa al héroe castellano a caballo sosteniendo en su hombro una lanza; siendo finalista una preciosa escena del juramento de Santa Gadea, con El Cid también de protagonista.

Es indudable la fuerza de atracción que tiene este personaje en la historia de Burgos, prueba de ello son sus constantes representaciones artísticas por la ciudad y provincia. La más conocida es sin duda la escultura de bronce que preside la plaza del Mío Cid, obra de Juan Cristóbal González Quesada (1897-1961), pero también son reseñables los murales dedicados al Campeador en la Diputación Provincial y en el Arco de Santa María, ambos de José Vela Zanetti (1913-1999), el monumento de Antonio Fuentes en Vivar del Cid, el de Ángel Gil en Mecerreyes, el busto de Fernando Hernando, la escultura de Félix Alonso González, o la pintura “el Cid y doña Ximena” de Marcelino Santamaría, todas pertenecientes al Ayuntamiento de Burgos.

Sin llegar a tocar lo que a la literatura española ha significado, la iconografía de Rodrigo Díaz de Vivar es muy extensa. Existen monumentos a su persona en Madrid, Valencia, Sevilla, Poyo del Cid (Teruel), en Buenos Aires, y hasta en Nueva York. Escultores contemporáneos como Juan de Avalos, Sergio Blanco, José Álvarez Cubero, Luis Moreno Cutando o Antonio Colmeiro han contribuido a que su memoria y hazañas permanezcan vivas hoy en día.

Pero no solo la pintura y escultura se ha nutrido del Cid como recurso artístico; ilustradores como Antonio Hernández Palacios o José Moran lo han llevado al comic, se han editado sellos a su memoria, e incluso sus aventuras han sido trasladadas al cine y a la televisión en forma de dibujos animados. El miniaturismo militar no podía ser menos, y modelistas como Juan Carlos Ávila, José Manuel González o Angel Terol han creado a lo largo de los años distintas versiones para diversas marcas comerciales.

Sin lugar a dudas, algunas de estas miniaturas se podrán admirar en el próximo certamen de Burgos -cita altamente recomendable-, al igual que a sus hermanas mayores: las esculturas y monumentos dedicados al Cid Campeador que jalonan la bella capital castellana.

El realismo de Mikel Olazabal

2011-11-11T17:06:00.008+01:00

La magnífica publicación española Desperta Ferro es una autentica cantera de nuevos valores para la ilustración y la pintura histórica. Si hace un tiempo nos descubrían el trabajo de Daniel Cabrera Peña, o relanzaban la obra de Ángel García Pinto, ahora nos van a sorprender con su último fichaje: Mikel Olazabal Rodríguez, y su pintura hiperrealista.

Nacido en 1977 en Vitoria -ya desde niño con una clara vocación pictórica- Olazabal cursa estudios en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Vasca (1995-2000). Terminada la carrera, decide afianzar sus conocimientos en los EEUU, y tras una estancia de cinco años en Nueva York recorriendo escuelas, talleres y fundaciones, regresa a España para exponer individualmente por primera vez en Pamplona.

Partiendo de una técnica del dibujo sobresaliente, Mikel Olazabal nos introduce en una pintura al óleo de tonos apagados, predominando en su obra el paisaje real u onírico y los ambientes de ensoñación, sin renunciar por ello a las figuras humanas, las cuales recrea con una impresionante fidelidad.

Apasionando de la figuración, el estilo realista que practica conlleva el que el público busque la exactitud en las formas, algo que no disgusta a nuestro artista, quien intenta superarse con cada obra. Prueba de ello, y de su gusto por la mitología, el clasicismo y el mundo antiguo, son sus últimos trabajos de corte histórico, obras que desde aquí aplaudimos como aficionados que somos, y animamos a que sean más, que no mejores.

El especial que Desperta Ferro ha preparado sobre la Guerra de los Treinta años, y que verá la luz a finales de este mes, contiene las primeras y expectantes colaboraciones del artista vitoriano con esta publicación, en la esperanza de que esta relación sea fructífera y lo más duradera posible.

Por último, reseñar que la información y las fotografías aquí plasmadas, han sido recogidas de la página web del propio artista, la cual os animo a visitar.

La maleta mexicana

2011-11-04T17:03:00.009+01:00

Así se titula la exposición fotográfica que en estos días, y hasta el 15 de enero, se puede ver en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Dedicada a mostrar el redescubrimiento de negativos inéditos sobre la Guerra Civil Española de los míticos fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour, la muestra de dichas imágenes constituyen un testimonio gráfico excepcional de la contienda y de nuestra historia más reciente, siendo a juicio de los expertos, el más importante conjunto de negativos recuperados del siglo XX.

La historia de “la maleta mexicana” es muy curiosa. En 1939, ante el avance implacable del fascismo, Robert Capa abandona su estudio fotográfico de París y huye a los Estados Unidos. Su colaborador, Tchiki Weiss, salva 3 cajas con 4.500 negativos de imágenes realizados durante la Guerra Civil por el propio Capa, David Seymour y Gerda Taro, los grandes maestros del fotoperiodismo de guerra. Desaparecida durante décadas, fue localizada en una maleta en México, y ahora, gracias a la tenacidad del International Center of Photography para recuperarla y hacer público su contenido, el MNAC presenta parte de este valioso material fotográfico por primera vez en España.

Los rollos de negativos expuestos permiten contemplar las series completas a las que pertenecen algunas fotografías publicadas en su momento por prestigiosas revistas como Life, Regards o Picture Post, que les dedicaron multitud de páginas y de elogios, convirtiéndolas en imágenes icónicas de la Guerra Civil. Gracias a los negativos que ahora han aparecido pueden ser leídas en el orden en el que fueron tomadas. Todo ese material aporta mucha información sobre momentos cruciales del conflicto y sus protagonistas, al mismo tiempo que arroja luz sobre la manera de trabajar de los tres fotógrafos, pioneros del fotoperiodismo.

Las instantáneas de la “Maleta Mexicana” muestran manifestaciones y desfiles, bombardeos, heridos en los hospitales y cuerpos en la morgue a la espera de ser identificados. Son testimonio gráfico excepcional de la vida en el frente o en las trincheras, de los estragos de los bombardeos sobre la población civil o del drama en los campos de refugiados. Entre los negativos aparecidos se encuentran retratos hasta ahora desconocidos de personajes como Federico García Lorca, Rafael Alberti, André Malraux o Ernest Hemingway. También hay imágenes de batallas decisivas como las de Teruel, Segre y Brunete, del frente de Cataluña y de la resistencia de Madrid.

Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour sentaron las bases del fotoperiodismo moderno al apostar por una nueva manera de mirar y de trabajar, sumergidos en la acción. Para los tres amigos, que habían coincidido en París exiliados de sus propios países, España fue el bautismo de fuego. Para Gerda Taro, el principio y el final. Taro, una de las primeras mujeres fotoperiodistas de la historia, murió arrollada por un tanque en Brunete. Robert Capa continuó cubriendo un largo rosario de conflictos hasta que en 1954 encontró la muerte en Indochina, al pisar una mina. También David Seymour, que al finalizar la guerra pudo documentar el viaje a México en barco de un grupo de exiliados españoles, encontró la muerte en un campo de batalla. Fue ametrallado en Suez, el 10 de noviembre de 1956.

El museo barcelonés que ya mostró algunos de los documentos de la “Maleta Mexicana” en el marco de las exposiciones “Esto es la guerra. Robert Capa en acción” y “Gerda Taro” en 2009, presenta ahora por primera vez en España la muestra que revela el contenido de la maleta. La misma podrá verse más adelante en Bilbao y en Madrid.

La maleta mexicana de Robert Capa from Cuello Blanco Magazine on Vimeo.

El retrato de Don Pantaleón

2011-10-21T16:52:00.010+02:00

En 2008, la madrileña Asociación de Modelistas Alabarda decidió conmemorar el II Centenario del “Dos de Mayo” con la creación de una figura conmemorativa. De su escultura se encargó Ángel Terol, quien eligió representar al húsar de María Luisa “Don Pantaleón Pérez de Nenin”, basándose en el famoso cuadro pintado por Francisco de Goya.

Hoy he querido compartir en este espacio mi particular versión de pintura de esta preciosa miniatura, y al mismo tiempo hacer un pequeño repaso por la historia de la obra en que esta inspirada.

Pantaleón Pérez de Nenin nació en Bilbao en 1779, en el seno de una acomodada familia de comerciantes vascos. A los dieciséis años ya era primer teniente, sin haber pasado por una academia, hecho ocurrido seguramente porque su familia ayudó económicamente a levantar el regimiento de húsares de María Luisa. Llegó a alcanzar el grado de capitán graduado, tras haber participado en la campaña contra Portugal, conocida como la “Guerra de las Naranjas”. En febrero de 1808 se le concedió el retiro, fechas en las que la familia encargó la pintura al pintor aragonés.

En el retrato, realizado unos meses antes de la Guerra de la Independencia, el personaje aparece de cuerpo entero, luciendo el uniforme de capitán ayudante del regimiento de húsares de María Luisa, compuesto de chaqueta roja, galoneada de plata y bocamangas azules del mismo color que el pantalón y el dormán. Calza botas, y en la cabeza lleva mirlitón con plumas rojas muy llamativas. Con la mano izquierda sostiene el sable, mientras que con la otra empuña el bastón de mando de ayudante en jefe. Aunque realizado sobre fondo oscuro como la mayoría de los retratos de Goya, en este, sin embargo, se distingue la cabeza de un caballo.

La riqueza cromática del uniforme otorga al conjunto mayor atractivo, encontrándose cierta relación con los retratos ingleses de la época, que Goya conocería por estampas. La efigie de don Pantaleón, mostrando un rostro con cierto aire melancólico, es el centro indiscutible de atención. La pincelada empleada por el pintor no es excesivamente suelta, ofreciéndonos todo lujo de detalles en los ribetes plateados de las chaquetillas y el pantalón, apreciándose hasta las espuelas. El estilo del maestro contrasta tremendamente con las obras "personales" ejecutadas durante los años de la Guerra como “la fragua” o “el Pavo muerto”.

Mi trabajo a la hora de pintar la figura, se ha limitado a seguir de la manera más fiel el esquema de pintura del propio Goya, priorizando su versión del uniforme de húsares de María Luisa, a los recogidos en otros trabajos uniformológicos. Eso si, me he permitido la licencia de cambiar el fondo, sustituyendo el caballo por un atril con un códice.

De esta miniatura se fabricó una serie numerada y limitada a 150 piezas en metal, estando agotada en la actualidad. De entre las versiones que se han hecho de Don Pantaleón, me gustaría destacar la de Humberto Garrido para el box art, la de Albert Gros, y la de Agustín Pacheco, transformada en viñeta con el mismísimo Goya retratando a nuestro protagonista, y que fue galardonada con el Premio Ejercito de Miniaturas en 2011.

Ferrer-Dalmau y la estela de Cusachs

2011-10-14T16:55:00.010+02:00

Tras el gran éxito de la exposición "Ferrer-Dalmau y el legado de Cusachs: Dos pintores catalanes para un Ejercito", que tuvo lugar el pasado mes de junio en el Palacio de Capitanía General de Barcelona, y del que en este espacio dimos buena cuenta, el Estado Mayor del Ejercito ha querido repetir la propuesta, en esta ocasión, en Madrid.

Con el título “Ferrer-Dalmau y la estela de Cusachs: Estampas de un ejército, de Barcelona a Madrid” la exposición inaugurada el 6 de octubre en Palacio de los Consejos (sede de la Capitanía General de Madrid), recoge, dispuestas alrededor del Salón del Trono, una pequeña pero selecta colección de obras de ambos pintores catalanes.

A estas alturas, nadie pone en duda el hecho de que Augusto Ferrer-Dalmau es el heredero natural de Cusachs. Como él, toma al caballo como protagonista de sus lienzos, no desmereciendo técnicamente de su paisano en nada. Ambos transpiran el amor por el ejército en sus cuadros, pero, a mi parecer, Ferrer-Dalmau va más lejos, ya que domina el paisaje -algo que a Cusachs siempre le costo- y la figura en movimiento, seña de identidad de su obra, al contrario de Cusachs, quien gustó siempre de composiciones tranquilas y fondos difuminados.

Como Cusachs, Ferrer-Dalmau va a contracorriente. Si el primero fue deliberadamente excluido de los principales movimientos artísticos de la época, por no seguir las pautas del impresionismo o del modernismo catalán; el segundo aparcó el paisajismo y la pintura hiperrealista por su autentica pasión: la pintura histórica y militar, en una época de desapego hacia todo lo que implica soldado, patria o bandera.

La muestra recoge de Josep Cusachs, además de los fondos de la Capitanía General de Barcelona, varias obras de coleccionistas particulares amablemente cedidas para la ocasión, destacando por lo original el retrato de un dragón pintado en la piel de un tambor.

Ferrer-Dalmau, por su parte, expone antiguas obras mezcladas con alguno de sus últimos trabajos, como: "La gesta de los zapadores", o en especial "Rocroi, el último tercio", obra encargada por el escritor y académico Arturo Pérez Reverte y que ha supuesto el desafío más ambicioso con que se ha enfrentado el artista. La pintura, en la que destaca su gran tamaño y el grado de detalle de las figuras representadas, está plagada de guiños (¿alguien ha descubierto ya al actor Viggo Mortensen?) y anécdotas, recreando una escena de los últimos momentos de la mencionada batalla, que se libró en 1643, en el contexto de la Guerra de los Treinta Años.

La exposición permanecerá abierta al público desde el 6 de octubre hasta el 30 del mismo mes, en horario de mañana y tarde.

La pintura de Marcelino Unceta

2011-09-30T22:46:00.010+02:00

Nacido en la capital aragonesa el 22 de octubre de 1835, Marcelino de Unceta fue indiscutiblemente, el pintor de mayor popularidad en Zaragoza por la orientación y estilo de su arte, dedicado a las ilustraciones para publicaciones de gran tirada nacional o local, por los carteles taurinos -de los que será uno de los creadores-, y sobre todo por sus numerosas pinturas e ilustraciones de temas históricos y militares. Genero, este último, muy de moda entonces en Europa, y por el que sintió desde joven gran predilección, no en vano procedía de una familia con antecedentes militares, y él mismo pretendió ingresar en la Academia de Artillería.

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Luis de Zaragoza y desde 1855, en que su familia se trasladó a Madrid, en la de San Fernando con José Federico Madrazo y Carlos Luis Ribera. Una de las primeras obras en las que participó como dibujante y litógrafo fue en la obra Historia de la villa y Corte de Madrid, publicada por entregas en 1861 y 1862, y para la que realizó diez ilustraciones a toda página, demostrando ser un experto dibujante y hábil componedor de escenas de batallas históricas, pobladas de combatientes enzarzados.

En 1866 regresa a Zaragoza, donde imparte clases de dibujo en el Ateneo, siendo un habitual en la Exposiciones Nacionales de Bellas Artes como pintor de historia. Entre 1871 y 1872 pinta dos grandes lienzos para la recién terminada de construir cúpula mayor del templo del Pilar. Bajo la dirección de Bernardino Montañés, varios pintores aragoneses continuarán en ella los temas iconográficos iniciados por Bayeu y Goya. A Unceta le correspondieron las composiciones alegóricas de los Santos mártires aragoneses y de los Santos obispos de Aragón.

Para el ayuntamiento realiza una galería de retratos de los héroes y heroínas de los Sitios, pintando el del general Palafox, en pie ante un parapeto (1874), y al año siguiente, el de Casta Álvarez con parecida composición. En esa misma década de restauración de la monarquía, se reconstruirá también la historia aragonesa. La sociedad privada más exclusiva -el Casino Principal- crea una galería de retratos de reyes y personajes de Aragón. Unceta pintará los de Goya, Bayeu y Bartolomé Leonardo de Argensola, y en 1879 representará en un gran lienzo mural (a imitación de un tapiz) el tema de la historia de la Corona de Aragón de la Pacificación de las Germanías, una preciosista y vasta escena, poblada de figuras en armas, ataviadas con ropones y gualdrapas.

En una sociedad como la europea y española de mediados del siglo XIX, con una permanente presencia de las tropas en las calles de las guarniciones, pobladas de vistosos uniformes de húsares, coraceros, lanceros y demás armas, en desfiles, paradas, retretas, procesiones y conciertos, no es de extrañar que fuera de los campos de batalla —que lo fueron también muchos— los ejércitos formaran parte de la cultura visual urbana. Pronto se llamó a Unceta el Meissonnier español, en referencia al afamado pintor de temas históricos franceses. Aunque no debió de ser el único pintor de asuntos militares que pudo influir en Unceta; probablemente también lo fueron Neuville o Detaille, con los que se formó posteriormente José Cusachs, brillante continuador de estos temas militares en la pintura y la ilustración españolas.

Su obra, de estilo minucioso, agradable colorido y apretado dibujo, destaca por la afinada capacidad de observación, manifestando una especial querencia por la representación de los caballos, cuya anatomía y pasos dominaba con pericia, convirtiéndolos siempre en protagonista de las composiciones con figuras militares, o en escenas de marchas, revistas de tropas, al galope en cargas, descansando sin monturas junto a los soldados, o al tranco, como los de los picadores dirigiéndose a los ruedos.

En 1886, se trasladará a Madrid donde fijará la residencia definitiva hasta su muerte (1905). Allí realiza un retrato de Alfonso XII, seguirá su colaboración para las revistas La Ilustración Artística o Blanco y Negro, y diseña, litografía y timbra al menos veintidós grandes carteles de toros – su otra gran pasión- para las plazas de Zaragoza, Pamplona, Granada, Madrid, San Sebastián y Bilbao, aparte de los que se editarán años después de muerto con escenas recompuestas de carteles anteriores suyos.

Marcelino de Unceta López fue el segundo pintor aragonés, después de Goya, en tener una calle dedicada en Zaragoza, situándola el Consistorio en el popular barrio de Delicias. Hoy en día su obra, muy diseminada en colecciones particulares, es habitual en las mejores salas de subastas del mundo.

Diego de León, la Primera Lanza del Reino

2011-09-23T16:56:00.011+02:00

Después de una breve pausa vacacional, vuelvo a la carga –nunca mejor dicho- con la semblanza artística de uno de los últimos héroes románticos que ha dado nuestra historia contemporánea: el general Diego de León y Navarrete (Córdoba 1807- Madrid 1841).

La idea de ahondar en la vida de este peculiar personaje me la dio una preciosa escena en miniatura creada por el navarro Waldo Osés, el cual plasmó el pasaje narrado por Ignacio Danvila Carbonell en el libro “Diego de León, la primera lanza del reino”, donde siendo brigadier, y en plena Guerra Carlista, cargó a la cabeza de un escuadrón de caballería, con su montura al galope y lanza en ristre, asaltando la primera línea enemiga aprovechando el hueco de la tronera de un cañón, poniendo en fuga al enemigo. Una imagen que quedó para la historia y los grabados de la época.

Hijo de militar, Diego de León abraza la carrera de las armas a los 17 años. Tres años después es capitán del Regimiento de Coraceros de la Guardia Real, donde tiene ocasión de adquirir un intenso afecto por la institución monárquica, muy en particular por la reina Mª Cristina, esposa de Fernando VII, lo que marcaría la etapa más decisiva de su vida. Iniciada la primera guerra carlista con la muerte del monarca en 1.833, Diego de León, tras solicitarlo reiteradamente a sus jefes, se incorpora al conflicto como Capitán de Dragones en un regimiento de húsares del Ejército del Norte, bajo el mando del General Alaix.

Ya comandante, su primera actuación heroica se produce en 1.834 en la batalla de Arcos (Navarra), en la que al mando de sólo 72 jinetes derrota a una columna carlista de efectivos muy superiores. Esta hazaña le hace merecedor de su primera Gran Cruz Laureada de San Fernando. Su arrojo, casi temerario, empieza a ser comentario común de todos los que le rodean y transciende a los cenáculos sociales y políticos de la capital. Se habla no sólo de su porte gallardo e impresionante, de esto último podían dar buena cuenta sus adversarios en el campo de batalla, sino también de su extraordinaria habilidad como jinete y en el manejo de la lanza, lo que sorprende a todos ya que este arma no se usaba en combate de asalto desde Carlos III, y había caído en total desuso a lo largo de la guerra de la Independencia.

Entre 1835 y 1840, y en el ámbito de la Guerra Carlista, su leyenda se acrecienta: sus combates se cuentan por victorias, siendo acreedor de otras dos laureadas y finalizando la contienda con el grado de teniente general.

Terminada la guerra, la convulsa situación provocada por el exilio de Dª Cristina acaecido en octubre de 1840, colocan a Diego de León en un «campo de batalla» para el que no tenía ni dotes ni vocación: la política. Su enfrentamiento con Espartero, al ocupar éste la regencia en mayo de 1.841, y su voluntad decidida de reponer en el trono a la Reina Cristina, por la que sentía una verdadera lealtad y devoción, le hacen entrar en contacto con los generales O´Donnell, de la Concha, y otros muchos mandos del ejército que pensaban como él. Poco más hacía falta para empujar a la acción a quien nunca había conocido el conformismo o la cautela y en la tarde del 7 de octubre, acompañado por de la Concha y Pezuela, decide asaltar el Palacio de Oriente. La enconada resistencia de la guarnición hace fracasar estrepitosamente la operación.

Diego de León es apresado, y aunque dispuso de la oportunidad de huir a Portugal, fiel al concepto del honor que presidió toda su vida, rehúsa el ofrecimiento y se auto inculpa como único responsable del asalto a palacio. El Consejo de Guerra es inmediato y fulminante en su sentencia. La ejecución se produce en la mañana del 15 de octubre en los aledaños de la Puerta de Toledo adonde llega Diego de León aclamado por el pueblo de Madrid con su uniforme de gala. De él dice el General San Miguel, entonces Ministro de la Guerra: “La pena sufrida por el General de León no le deshonró ni menoscabó en lo más mínimo su gloria, tan justamente adquirida”.

Sirva esta breve y sentida reseña biográfica para rendir justo homenaje a este héroe cordobés, paradigma del honor y la valentía, de los que hizo amplia gala a lo largo de su breve e intensa existencia, y que hizo que la España entera de su tiempo le conociese como la Primera Lanza del Reino.

Sudamérica en guerra

2011-08-26T17:35:00.006+02:00

Este año ha dado comienzo el inicio de la conmemoración del Bicentenario de la Independencia de las Repúblicas Iberoamericanas, acontecimiento que, pese a su importancia y en esta España sumergida en plena crisis económica, de momento no se le está dando la relevancia con que se está siguiendo en toda América Latina.

Batalla de Carabobo. Martín Tovar y Tovar

Desde este espacio, y sin una mayor pretensión, me gustaría homenajear la memoria de todos aquellos americanos, españoles, realistas y patriotas que, peleando con valor y sacrificio por sus diferentes ideales, regaron con su sangre la fértil tierra americana, que en estas fechas –hace doscientos años- despertaba hacia su independencia.

Carga de Bueras. Pedro León Carmona

Para ello, no se me ocurre mejor manera que hacer una pequeña recopilación de las diferentes representaciones artísticas –muy conocidas todas ellas- de las batallas que dieron como lugar a la emancipación de la América española, y de paso reivindicar el olvido de sus protagonistas: españoles y americanos, blancos, negros o pardos, indios o mestizos. Olvidados por los que, de sus mismas clases, lograron derrotarles en los campos de batalla, y después pasaron de inmediato a la tarea de su propia construcción nacional. Olvidados también por la metrópolis a causa de la lejanía de sus esfuerzos, por los avatares y convulsiones políticas que se vivían en Europa, y también, porque fueron los derrotados.

Batalla de Maipu. Pedro Subercaseux

Batalla de San Lorenzo. Julio Fernández Villanueva

En lo meramente artístico, cabe reseñar que tras la Independencia, cada nación debía reinventarse, no sólo políticamente, sino también en su identidad y en la comunidad imaginaria que era necesario construir. El papel de las artes, así como de la literatura, fue entonces fundamental, aún más si se considera que las estructuras políticas, en general, no lograban generar un sentido de identidad nacional.

Batalla de Boyaca. Martín Tovar y Tovar

Es por ello que casi todas las pinturas en referencia a los combates que propiciaron dicha Independencia, contienen mucho de idealización simbólica para glorificar las batallas de emancipación y crear un sentido a la vez nacionalista y centrado en ideales europeos.

Batalla de Rancagua. Pedro Subercaseux

Artistas como los venezolanos Antonio Herrera Toro y Martín Tovar y Tovar, los chilenos Pedro Subercaseux y Pedro León Carmona o el argentino Julio Fernández Villanueva, estudiaron Bellas Artes en Roma o en París, para una vez de regreso a sus respectivas tierras, poder, con sus pinturas de escenas de la Independencia, ayudar a crear el sentimiento patrio que los jóvenes países americanos necesitaban.

Esperando Rocroi

2011-08-20T10:58:00.009+02:00

El verano es tradicionalmente una época de descanso, vacaciones y vida en familia. Las horas de sol y el buen tiempo condicionan nuestro trabajo, resultando difícil sustraerse a la pereza estival. Sin embargo, siempre hay excepciones a la regla, como es el caso de nuestro querido y admirado Augusto Ferrer-Dalmau, quien precisamente en estos días ultima la que, con toda probabilidad, sea la obra más ambiciosa de su carrera: la batalla de Rocroi.

No he podido esperar a ver la pintura terminada –espero que Augusto sepa perdonarme- para adelantar lo que a toda vista se dibuja como una excepcional obra de arte, nueva y espectacular vuelta de tuerca en la carrera artística de este pintor. El lienzo, de generosas proporciones (170cm x 100cm), es un encargo que se expondrá en Madrid el próximo mes de Octubre, y en él ya se puede apreciar la desgarradora historia que el artista está próximo a contar.

Hasta que podamos ver la obra terminada y en todo su esplendor, os dejo las fotografías del humilde homenaje que el grupo de miniaturistas “los alegres turlurones” (entre los cuales me incluyo) rindió hace unos años a aquellos bravos hombres que perdidos en medio de Europa, pelearon y dieron la vida por su enseña y compañeros, por su patria y por su rey.

El diorama cuenta con un estupendo artículo que os animo a leer, con la esperanza de que, tanto las imágenes como los textos, sirvan para acrecentar la expectación con que los aficionados y seguidores del trabajo de Ferrer-Dalmau esperamos el desenlace de esta maravillosa obra; de la cual podéis seguir viendo su evolución en el blog del propio artista.

Martín de Vidales, la fiel infantería

2011-07-29T17:48:00.010+02:00

Como en tantas otras ocasiones, conocí la obra de Luis Martín de Vidales (Toledo.1950) antes que al propio autor. Los pequeños bajorrelieves, metopas, y figuras que el escultor realizó para la Academia de Infantería de Toledo, y que han sido empleadas durante años como regalo protocolario, son algunos ejemplos menores de la estrecha colaboración entre este artista y el Ejército.

De padre artesano, ya de niño esculpía en troncos de acacia con las gubias que su progenitor le dejaba. A la edad de 11 años es matriculado en la Escuela de Artes y Oficios de la capital castellana, alternando las clases en la escuela con el trabajo en el taller del padre. Muy pronto le empezaron a encargar alguna escultura, realizando un paso de Semana Santa con cuatro figuras talladas en madera y policromadas con tan solo 20 años.

El recuerdo, durante esa infancia y adolescencia, del ambiente militar que se vivía en Toledo por la presencia de la Academia de Infantería, el Alcázar y la Escuela de Educación Física, llamó la atención de Martín de Vidales, quien atraído por la uniformidad militar de aquel entonces, su plasticidad y su magnífico atractivo artístico, empezó a hacer monumentos militares, repartiéndolos por toda la geografía española.

Escultor de corte clásico con influencias de artistas como Montañés, Alonso Cano o Salcillo, es un magnífico conocedor de la anatomía humana, plasmando en sus esculturas -como pocos- las emociones en el rostro humano. Como buen castellano su estilo es austero en las formas, como lo son los materiales que utiliza, siendo la madera, la piedra o la arcilla sus principales aliados.

Entre las esculturas más representativas de este artista, podemos destacar: el Alfonso VI a caballo presidiendo la entrada a la ciudad de Toledo, el monumento al soldado de remplazo en Melilla, el dedicado a los Regulares y el del homenaje a la Legión en Ceuta, el monumento a María de Portugal en Talavera de la Reina, el busto de S.M. la reina Doña Sofía del Pardo (Madrid), y el monumento a la Guardia Civil de Ceuta, entre otros.

Luis Martín de Vidales, artista cercano, amigo de sus amigos -los cuales pasan muchas horas en su taller toledano participando de su trabajo- en la actualidad dedica mucho de su tiempo y esfuerzo a la escultura religiosa. El Cristo yacente de Retuerta del Bullaque (Ciudad Real) es un magnífico ejemplo de sus últimas obras.

El Museo de Cerralbo

2011-07-22T16:22:00.010+02:00

Hay muchas razones para visitar Madrid en verano. El desahogo que proporciona las vacaciones de innumerables madrileños, propicia tanto a los que se quedan, como a todos los turistas que en esas fechas se desplazan a la capital, la visita de museos, exposiciones, restaurantes o monumentos, con tranquilidad y sin los agobios de otras fechas del año.

Esta semana, mi propuesta es la visita a un pequeño museo que sin duda os trasladará a otra época.

A finales de 2010, reabría sus puertas, después de cuatro años cerrado por obras, el madrileño Museo de Cerralbo, un palacio situado en pleno corazón de Argüelles, referente obligado para conocer la forma de vida de la aristocracia del siglo XIX y principios del XX.

Como museo de coleccionista, refleja el gusto aristocrático de la época a través de obras de arte y objetos cotidianos conservados en sus estancias originales que transmiten el sentimiento y el encanto de lo habitado, y por las cuales parece que el tiempo se hubiese detenido.

La exposición de la colección obedece a los criterios de su fundador, D. Enrique de Aguilera y Gamboa (1845-1922), XVII marqués de Cerralbo, quien destacó como político, académico, escritor, coleccionista y arqueólogo, y que a su muerte donó su patrimonio al Estado. El palacio fue concebido con una doble función: la de vivienda y la de museo para albergar las obras de arte reunidas por los marqueses de Cerralbo y sus hijos durante los numerosos viajes que realizaron por España y Europa.

El conjunto fue considerado como una de las colecciones privadas más importantes del país, y sin duda la más completa de su tiempo. Sorprendiendo al visitante la diversidad de objetos, pintura europea de los siglos XVI al XIX, esculturas, dibujos, estampas, monedas, medallas, piezas arqueológicas, armas y armaduras, además de una amplia representación de las artes decorativas de toda época y estilo –relojes, lámparas, joyas, cerámicas, muebles, alfombras, tapices- que, junto con los fondos bibliográficos y documentales antiguos, componen un total de más de cincuenta mil objetos.

El recorrido, perfectamente diseñado para el visitante, nos lleva por las 32 estancias de que consta el museo distribuidas en tres plantas. Un viaje por salones con nombres de colores y cargados de objetos de arte, visitando la capilla, el salón de la música, la armería, la sala árabe, el pasillo de los dibujos, la escalera de honor, el salón de baile, la biblioteca –con más de 10.000 ejemplares-, los jardines, etc.…

Entre esculturas y bustos, objetos de decoración y fotografías de época, se pueden admirar los retratos de Vicente López, la pintura religiosa de Antonio de Pereda, el Greco, Zurbarán o Alonso Cano, varios tapices de Pastrana, la pintura naturalista de Juan Fernández el Labrador, Giuseppe Rocco o Cristóforo Munari, los dibujos de Goya, o los murales de Soriano Fort y M. Juderías.

En lo referente al arte de temática histórica o militar, el museo contiene numerosos ejemplos, a destacar en la Escalera de Honor los dos lienzos trapezoidales que conmemoran episodios históricos –como la defensa de La Coruña en 1589- en los que intervinieron antecesores del marqués, los numerosos bustos y retratos de militares, las fotografías de las guerras carlistas de los pasillos, o el salón de las armaduras.

Museo Cerralbo. Calle Ventura Rodríguez, 17. Madrid

http://museocerralbo.mcu.es

El retrato del Rey

2011-07-15T18:06:00.016+02:00

En España, la pintura de retratos como género autónomo nació en el entorno de la corte, donde sirvió para fijar la imagen del rey y su familia, trasmitiendo no sólo los rasgos físicos, sino un complejo concepto de Estado, de dinastía y de sociedad.

Esta semana traigo a este espacio, propuesto por mi buen amigo Fernando González de la Peña, un bosquejo del retrato regio, personificado en la imagen del rey Alfonso XIII, muy probablemente el monarca español más retratado en la historia de nuestro país.

Alfonso XIII con uniforme de húsar de Pavía (1907), de Joaquín Sorolla. Museo Sorolla. Madrid

Desde mediados del siglo XVI, los retratos de corte mostraban sin apenas variaciones el aspecto solemne, grave y distante de los Austrias españoles, sin que importara el sexo o la edad del individuo. El atrezo que acompañaba estas imágenes (escenario, muebles, vestimenta, joyas y armas) completaban esa sugestión de poder hasta convertirse en fórmulas estereotipadas que pervivieron hasta bien entrado el siglo XVIII, aunque la llegada en 1700 de la dinastía Borbón a suelo español, introdujo nuevas maneras en la corte.

Alfonso XIII con uniforme de húsares de la Princesa, de Antonio Ortiz Echagüe (1927). Museo de Historia de Madrid

En el siglo XIX, la consolidación de la burguesía como cliente de creciente importancia produjo un aumento del número de retratos y favoreció la dedicación a ese tema de los principales pintores. En el primer tercio de siglo se muestra, junto al genio de Goya, la brillantez técnica de Vicente López y el rigor de la orientación neoclásica.

El rey Alfonso XIII en uniforme de almirante de la Armada, por Fernando Álvarez de Sotomayor. Museo Naval de Madrid

El segundo tercio revela el esplendor del romanticismo en sus focos sevillano y madrileño, con figuras como Antonio Esquivel, Federico Madrazo. A lo largo de las últimas décadas del siglo el camino hacia el realismo y el naturalismo se advierte en las pinturas de Raimundo de Madrazo, Ignacio Pinazo y Joaquín Sorolla entre otros.

Retrato de Alfonso XIII con el uniforme de maestrante de Sevilla (1929), de Gonzalo Bilbao. Museo de Bellas Artes de Sevilla

Alfonso XIII, cuenta con más de un centenar de retratos, pintados por los mejores artistas de la época. Los motivos de esta cantidad de iconografía retratística del monarca, son varios: por un lado la búsqueda de una imagen política fuerte y reconocible en la sociedad española de principios de siglo XX, por otro la consabida afición del rey por el retrato –tanto en pintura como fotográfico-, y sin duda, la búsqueda de reconocimiento artístico y oportunidades en la corte en no pocos artistas.

Alfonso XIII con el uniforme de diario de capitán general, por Fernando Álvarez de Sotomayor

Retrato ecuestre de Alfonso XIII con uniforme de coracero de la Guardia Real, de Josep Cusachs (1906). Colección privada

Curiosamente, las innumerables pinturas del monarca nos han dejado un interesante legado uniformológico, al ser retratado con una gran variedad de uniformes militares, otra muestra de la imagen de rey-soldado que se quisieron potenciar en Alfonso XIII los gobiernos de la época. El “Museo de la Vida en Palacio”, ubicado en el Palacio Real de Aranjuez, guarda gran parte de estos uniformes, junto con abundantes pinturas y esculturas del rey.

Alfonso XIII con uniforme de húsar de Pavía (1915), de José Mongrell Torrent. Ayuntamiento de Cullera (Valencia)

Hay una serie de elementos y rasgos -como el uso de columnas, su habitual pose, los tapices rojos, la orientación hacia la derecha- que se repiten en sus retratos, y a los que generalmente se les ha buscado un significado, llegándose a hablar de símbolos de poder. Lo que es cierto, es su predilección por ciertos artistas como Álvarez de Sotomayor, quien le pintó una docena de retratos, o Joaquín Sorolla con seis.

Retrato ecuestre de Alfonso XIII, de Román Navarro. Museo de la Academia de Caballería. Valladolid

Quedan para el recuerdo anécdotas de la época, como el comentario de Valle Inclán quien dijo del cuadro de Sorolla en uniforme de húsar, que “el rey parecía un cangrejo cocido”, o la pintura a caballo que le hiciera Ramón Casas, cuyo resultado no convenció al rey ni a su familia ya que “al ser tan realista y no mostrar ningún signo de autoridad”, el retrato pareció más burgués que cortesano.

Alfonso XIII en uniforme de general de Alabarderos (1901), de José Villegas Cordero. Palacio Real de Aranjuez

Anécdotas a parte, es indudable el poso artístico que el personaje de Alfonso XIII dejó en la historia del arte español, poblando de grandes retratos, museos, palacios y colecciones privadas.

Las imágenes que he seleccionado para acompañar este artículo, es solo una muestra de la iconografía artística con que cuenta el monarca. Quien quiera seguir admirando retratos suyos, puede hacerlo en este interesante blog.

http://retratosreales.blogspot.com/

Gabriel García Calvo y la customización de figuras 1:6

2011-07-01T23:12:00.015+02:00

Octubre de 1941, el 2º batallón del Reg. 269 de la División Azul, el conocido “batallón Román”, se encuentra a orillas del rio Voljov, en pleno frente Ruso. En un punto concreto, donde el río tiene una anchura de trescientos metros, el comandante Miguel Román hace cruzar a su fuerza en botes neumáticos internándose en territorio enemigo. La maniobra se realiza en silencio, sin protección artillera, explotando el factor sorpresa, pasando la tierra minada y lanzándose al asalto de la cota escogida: un vital observatorio de la artillería soviética. Después de establecer la cabeza de puente, los soldados españoles, en un combate para el recuerdo, rechazan un fuerte contraataque del 2º Batallón del 848 Regimiento soviético.

Esta y otras historias de la “Blau”, fueron recogidas en el libro “Batallón Román, una historia fotográfica del 2º batallón del regimiento 269 de la División Azul” de Fernando Carrera Buil y el pintor Augusto Ferrer-Dalmau (2003). Posteriormente, el susodicho artista catalán plasmó en un lienzo de turbadora y violenta belleza, un pasaje de esa acción titulado “Voljov 1941”, pintura que atrajo la atención del también artista -esta vez del modelado- José Gabriel García Calvo (Valladolid, 1962), quien ha realizado la obra que esta semana traigo a este espacio.

Modelos a 1/6, customización, figuras de acción, son términos relativamente nuevos para el aficionado al arte militar. En palabras del mismo autor “…me imagino que los modelistas de figuras "clásicos" sienten la misma perplejidad que yo cuando, por primera vez, ven figuras a escala 1/6, sobre todo si están "customizadas" (término que define la remodelación más o menos exhaustiva de una figura comercial). ¿Son demasiado grandes para ser consideradas miniaturas? ¿tienen tela y materiales reales.......?” Estas son algunas preguntas que nos podemos hacer cuando vemos este tipo de piezas, que por su espectacularidad a nadie dejan indiferente.

Con este primer trabajo, Gabriel García Calvo se he acercado a esta escala sin prejuicios y con curiosidad, tras muchos años modelando figuras de otros tamaños, comprobado que trabajar a esta escala no es más que otra faceta de la afición por el modelismo militar, con algunas técnicas diferentes, pero con la misma base común. Los modelistas de 1/6 pueden alcanzar los mismos grados de destreza artista que los que trabajan a otros tamaños.

La base de la figura escogida es una referencia articulada de la marca Dragón, a la que el autor desvistió para, con ayuda de masilla, rehacer los músculos y así conseguir la postura deseada. La cabeza es de la casa comercial Barton, aunque también se le ha retocado en el acabado y en la textura de la piel. La ropa (de tela real) se descose, para posteriormente adaptarla al nuevo contorno muscular mediante pegamento, fijándola finalmente con cola blanca y barniz.

A partir de ahí las posibilidades son infinitas y todo depende de lo que los modelistas se quieran complicar. Hay que tener en cuenta que la documentación a manejar tiene que ser lo más exhaustiva posible, ya que los detalles así lo exigen. En este caso, García Calvo le cambió el casco de serie por uno fundido en metal de bajo punto de fusión, sacado de un original; retocó, entre otras muchas cosas, una granada vaciando el interior y creando tapa y roscas, para a posteriori hacer moldes y copias; distribuyó casquillos de resina por el suelo; pintó y repasó todas las piezas (por ejemplo las vetas de la madera en la ametralladora), dándole el aspecto sucio y de combate que el cuadro representa; para finalizar, creó el terreno nevado a partir de nieve artificial. El resultado: una escena de un realismo que impresiona.

El 1/6 es un hobby en alza, un golpe de aire fresco en el mundo del modelismo militar -y que en países como EEUU o Japón hace furor desde hace tiempo- con un futuro prometedor, ya que el relevo generacional probablemente está asegurado, algo que en el modelismo tradicional por desgracia no es así.

Las fotografías de esta actualización han sido realizadas por FIT Imagen

La Agrupación de Miniaturistas Militares de España

2011-06-24T17:54:00.010+02:00

La Agrupación de Miniaturistas Militares de España nació en 1959 en Barcelona, siendo la primera asociación de este tipo que se creaba en nuestro país. En aquella época un grupo de entusiastas catalanes, entre los que se encontraban los mejores coleccionistas del momento, decidieron compartir conocimientos y experiencias agrupándose en torno a una entidad que muy pronto sería un referente a nivel nacional. Desde su primera sede en la Cúpula del Cine Coliseum en la Gran Vía de la ciudad condal, a la posterior y definitiva de la Rambla de Catalunya nº29, personajes como Jorge Bordás, Ramón Soler, José Almirall o José A. Martí Diamant, sentaron las bases del asociacionismo y la divulgación de esta apasionante afición en nuestro país.

Según rezaban sus estatutos, la finalidad primordial de la AMME era el “estudio de los uniformes, armamentos militares, la historia de los ejércitos y sus tradiciones, con especial dedicación en todo lo referente al Ejército español y la divulgación de tales estudios por medios gráficos o mediante actos culturales”. Desde el primer momento se decidió editar una publicación en la que volcar la experiencia, las aficiones y las investigaciones de buena parte de sus asociados; así nacía el Boletín de la Agrupación de Miniaturistas Militares de España, una revista trimestral solo para socios, en la que había información sobre fabricantes de soldados de plomo, artículos referentes al decorado y transformación de figuras, efemérides, noticias varias sobre el mundillo, contactos con coleccionistas, y lo más importante: información precisa y preciosa sobre los uniformes del ejercito español a través de la historia.

A lo largo de sus más de cien números, “el Boletín” fue desgranando interesantes y variados estudios sobre unidades y regimientos españoles, describiendo minuciosamente sus uniformes, armamento, insignias, banderas y todo tipo de detalles, para ello se incluía como material gráfico, una serie de láminas en blanco y negro dibujadas por los mejores ilustradores especializados en temática militar del país, verdaderas joyas de la publicación.

A partir de los textos y los estudios especializados que componían los artículos del “Boletín”, grandes ilustradores y dibujantes como Ricardo Sanfeliz, Francisco Cardona, Delfín Salas o Emilio Marín, daban el preciado soporte gráfico, al igual que otros dibujantes amateurs como Francisco Castellón, José Luis Picardo, Antonio Nieto o Lucio Sáez, entre otros muchos, que sin llegar a la calidad artística de los primeros, también aportaron con sus dibujos su particular impronta. Aunque el dibujante oficial del Boletín de la AMME, fue José María Bueno, de quien podemos analizar su trayectoria artística y su evolución técnica a través de las más de 2.500 ilustraciones creadas para dicha publicación.

La Agrupación de Miniaturistas Militares de España, con la aportación de sus socios, no solo contribuyó decisivamente en el desarrollo de la Uniformología en España, sino que fue pionera en la organización periódica de exposiciones de miniaturas y militaría en las que se mostraban lo más selecto de cada coleccionista. Famosas eran las citas anuales por toda la península, coincidiendo con el “día de las Fuerzas Armadas”. Así, poco a poco, se fueron creando secciones regionales de la Agrupación, destacando por su actividad las de Madrid (Darío Loraque, José Villarino), Gerona (Joaquín Plá Dalmau), Zaragoza (Carlos Royo-Villanova, Pedro Hernández Pardo) o Bilbao (José Mª Sanz D’Anglada).

La AMME se extinguió en 1999, tras cuarenta años de vida, dejando tras de si media docena de asociaciones repartidas por toda España, hoy todavía en funcionamiento. Sin embargo el impresionante fondo creado por su “Boletín” se encuentra tristemente perdido por las bibliotecas de sus ex socios, difícilmente alcanzable al estudioso, aficionado o al simple curioso que quisiera descubrir el enorme bagaje cultural que sus páginas atesoran.

Aún así, me ha parecido interesante incluir el Listado Temático de los Boletines de la Agrupación confeccionado por Manuel Ortega y Pedro Giménez, por si a alguien le sirve de ayuda, significando que en la actualidad Alfonso Cánovas, desde su blog, va colgando -de una manera bastante irregular- secciones de los mismos, atendiendo sobre todo a la parte gráfica, desgraciadamente coloreada por él mismo.

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Román Navarro y la escena militar

2011-06-17T17:04:00.013+02:00

Aunque a muchos aficionados al miniaturismo militar actual nos suene este nombre, este artículo no está dedicado al estupendo modelista albaceteño, quien curiosamente coincide en nombre y apellido con el pintor del siglo XIX del que esta semana me gustaría ofrecer una breve semblanza.

Nacido en A Coruña en 1854, Román Navarro García Vinuesa muestra ya su vocación artística desde muy temprana edad. Formado inicialmente en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, su educación plástica se consolida en la Escuela de San Fernando de Madrid, al mismo tiempo que cursa la carrera militar, de cuyo ejercicio llego a ser teniente coronel de caballería. Sin embargo, las obligaciones militares no le impiden ejercer la docencia en A Coruña, en la misma escuela en la que anteriormente se había formado, y de la que llegará a ser director.

Tras diversos reconocimientos en diferentes exposiciones regionales y nacionales, obtiene una beca de la Diputación provincial coruñesa en 1894 que le lleva a Italia, Francia y los Países Bajos, permitiéndole ampliar y consolidar su educación artística. Al año siguiente obtiene la cátedra de dibujo en la Escuela de Artes de Barcelona, que permuta con un desconocido profesor en A Coruña, José Ruiz Blasco, ignorando que se acontece un episodio universalmente trascendente que lleva al hijo de este profesor, el joven Pablo Ruiz Picasso, a trasladarse a la ciudad condal e iniciar su carrera artística.

De nuevo instalado en su ciudad natal, Román Navarro compagina la carrera militar con la docencia, en la que tiene como discípulos a numerosos jóvenes que más tarde serán eminentes pintores, tales como Alfredo Souto, Joaquin Vaamonde , Francisco Llorens, Víctor Morelli o el jovencísimo Luis Mosquera, entre otros. Con Morelli establece un muy curioso caso de paralelismo: los dos son coruñeses de cuna; ambos siguen la carrera militar, aún cuando en distintas Academias, puesto que Navarro pertenecía al Arma de Caballería, y uno y otro son vocacionalmente pintores y cultivaron con especial pasión el motivo castrense.

Si bien es cierto que los temas históricos no tuvieron gran reflejo en Galicia, en el caso de Román Navarro esta tendencia viene influenciada por su condición de militar, hecho que marcará inevitablemente su trayectoria plástica, en la que los temas bélicos protagonizan la mayor parte de sus composiciones. La pintura de Navarro no traspasó nunca los preceptos más tradicionales. Sus planteamientos plásticos destacan no tanto por su creatividad, si no por la sinceridad en sus planteamientos, que no abandonan las fórmulas realistas, y cuyas composiciones están realizadas con un dibujo notablemente sólido y un empleo riguroso de la luz y la atmósfera.

Aunque cultiva muy bien el retrato y, en la última etapa de su trayectoria abarca también la pintura de género - sin duda bajo la influencia de Sotomayor -, las composiciones que con mayor ahínco inspiran a Román Navarro son las escenas bélicas y de caballos, condicionado voluntariamente por su doble condición de militar y pintor.

Al retirarse de la profesión castrense, continúa e intensifica su labor de pintor. Hasta su muerte, a los setenta y cuatro años (1928), siguió trabajando casi sin interrupción, dejando una obra amplia y muy repartida por el mundo con una extensa colección de retratos que guardan sobre todo instituciones públicas de Madrid, La Coruña y otras ciudades de Galicia.

Proyecto Ferrer-Dalmau (II)

2011-06-10T18:29:00.013+02:00

El pasado 15 de Octubre de 2010, en una actualización en este mismo Espacio, hablabamos de la posibilidad de un nuevo proyecto miniaturístico coral, esta vez dedicado a nuestro admirado pintor de batallas, Augusto Ferrer-Dalmau.

Han pasado ocho meses desde aquella primera declaración de intenciones, y la idea, supeditada al poder ilusionante y a la participación de los miniaturistas, es hoy por hoy una realidad. El nuevo reto, y sobre todo, el poder visual que Ferrer-Dalmau ejerce sobre los aficionados al miniaturismo histórico, ha hecho que la iniciativa sea todo un éxito.

Y es que las cifras lo avalan. A fecha de hoy, ya son 42 son las obras escogidas por un total de 40 modelistas. De todos esos trabajos, 24 ya están en marcha y 9 de los cuales han sido finalizados. Las piezas que he escogido para acompañar esta actualización, son algunas pruebas de ello.

Albert y Jordi Gros, Juan Miguel Fernández, Antonio Meseguer, José Hernández, Antonio Zapatero, Jesús Gamarra, Miguel Angel Garrido, Cesar de la Peña, Daniel Serrano, Eduard Pérez, Fernando Ruiz, Luis Sanz, Francisco Javier Ruiz, Iñigo Rodriguez, Javier Aldave, Juan Piriz, José Manuel García, Manuel Iglesias, Joan Masferrer, Jorge Fernández, Manuel Picatoste, Luis Miguel García, Miguel A. Díaz Galeote, Patxi Vacas, Rafael Cebrian, Chema García, Alejandro Labourdete, Román Navarro, Rafael Torres, José Álvarez, Rafael Gil, Waldo Osés, Pepe Gallardo, Roberto Ramirez, Salvador Ortigosa, José Gabriel García Calvo, Juan Carlos Ávila, Miguel Ángel Pérez, y un servidor, es la lista de personas que, de momento, conformamos este nuevo Proyecto.

Las fechas que se barajan para la finalización de este trabajo coral, es a de mediados de 2012, momento en el que se reuniran todas las piezas para su exibición en la sala de arte Saoba de Madrid. Queda pendiente de las oportunas gestiones, la publicación de un catálogo, y de una serie de detalles que progresivamente irémos desgranando en este mismo espacio.

Espero que la iniativa sea del agrado del aficionado, confiando en la ilusión y en el trabajo de todos aquellos que de una manera u otra han decidido colaborar en este homenaje al gran artista que es Augusto Ferrer-Dalmau.

Dos pintores catalanes para un Ejército

2011-06-03T14:56:00.007+02:00

El Palacio de Capitanía de Barcelona, sede de la Inspección General del Ejército, acoge desde el día 3 al 10 de Junio en su Salón del Trono y con ocasión de la celebración del Día de las Fuerzas Armadas, la exposición de pintura Ferrer-Dalmau y el legado de Cusachs: dos pintores catalanes para un ejército.

El primero de ellos, José Cusachs (1851-1908), es bien conocido por los aficionados a esta temática dentro de la pintura, aunque sensiblemente lo es menos su carrera como oficial de artillería durante la Tercera Guerra Carlista (1872-1876). Buena parte de su obra, muy apreciada por sus ex compañeros de armas, permanece aún devotamente custodiada en numerosos establecimientos militares de nuestra geografía, entre ellos en este Palacio, que cuenta con una docena de obras del artista catalán, algunas de las cuales están presentes en esta muestra.

En cuanto a Augusto Ferrer-Dalmau (1964), puede ser considerado actualmente como el mejor pintor de batallas de nuestro país y un digno heredero de Cusachs. Pintor de hombres que una vez siguieron las banderas, de personas que nos que nos antecedieron y que ya son historia, Ferrer-Dalmau goza hoy en día de la admiración de nuestros soldados y del justo reconocimiento por parte de todos los aficionados a la historia y al Arte militar, no sólo en España, sino incluso más allá de nuestra fronteras.

No es casualidad que haya sido escogida Barcelona, ciudad que vio crecer a los dos insignes artistas, ni el Palacio de la Capitanía General, custodio de numerosa obra de Cusachs, como lugar ideal para celebrar la Muestra, ni siquiera las fechas escogidas para su exposición, pues con la Semana de las Fuerzas Armadas se pretende perseverar el acercamiento del pueblo español a sus ejércitos, el conocimiento de su realidad y, en suma, la potenciación de la Cultura de Defensa, ya que sin duda estos dos pintores catalanes son los que con mayor realismo han plasmado en sus lienzos la crónica de nuestro pasado militar reciente.

Todas estas felices coincidencias no han pasado inadvertidas para la Inspección General del Ejército, organizadora del evento, quien desde Cataluña quiere rendirles tributo con esta exposición, cuya única pena es su corta duración.

Así mismo con este motivo, se ha puesto a la venta un libro/catálogo donde se recoge la descripción de las pinturas expuestas así como un estudiado análisis de la obra de estos dos artistas. El horario de la exposición Ferrer-Dalmau y el legado de Cusachs: dos pintores catalanes para un ejército, tanto para días laborables como festivos, será de 10,30h a 14,30h, efectuándose visitas guiadas cada 15 minutos.

La fotografía en la última guerra carlista

2011-05-27T16:27:00.007+02:00

La 3ª Guerra Carlista (1870-1875) fue el primer conflicto bélico del que se hizo un seguimiento fotográfico en nuestro país. Los primeros registros que se tienen sobre la fotografía de guerra, datan de la guerra entre México y Estados Unidos (1846-1848), donde se fotografiaron soldados y oficiales posando dentro de un estudio. Aunque es en 1855 cuando el artista y fotógrafo inglés Roger Fenton, se desplaza hasta la península de Crimea para cubrir la guerra entre Rusia y una coalición de países europeos. Documentar la guerra fue una nueva aplicación de la fotografía. Los pintores de todas las épocas habían pintado escenas románticas de la guerra, pero ésta era la primera vez que el público en general podía ver la realidad y crudeza de la guerra.

En España, es a partir de la segunda mitad de siglo XIX cuando la fotografía se empieza a introducir en las grandes poblaciones, así mismo los procesos que hasta ahora eran económicamente costosos, se empiezan a abaratar, siendo a la vez más rápidos. Se pasa del “daguerrotipo” a la “albúmina”, después al “colodión” sobre negativo de papel y más tarde al colodión sobre placa de cristal, técnica que permanecería en el mercado cerca de treinta años.

Es en esa época cuando André Adolphe Eugène Disderi introduce el formato fotográfico “carte de visite”, mediante el cual la fotografía pasa de ser un arte exclusivo de las clases más pudientes a convertirse en un sistema abierto a todas las capas sociales. El método Disderi consistía en una cámara con 4 objetivos obteniendo en una misma placa una serie de ocho retratos que luego eran recortados y pegados en cartón del tamaño de una tarjeta de visita, de ahí su nombre “carte de visite”.

Las imágenes que se han conservado de la III Guerra Carlista, son en su mayoría retratos hechos en estudio, y en muchos casos por encargo del retratado. La mayor parte de estas fotografías se encuentran en manos de coleccionistas y en otros casos son los propios familiares quienes han heredado las imágenes. Son muchos los artistas que firman este tipo de imágenes pero, entre ellos podemos destacar a José de Lejarreta de Durango, al fotógrafo ambulante bilbaíno J. de Hernandorena, a Vicente Crivé de Olot, a Juan de Parada en Burdeos o a Ferdinand Berillon en Bayona.

De las tomas realizadas en exteriores, que desgraciadamente son las menos y que en su mayoría fueron utilizadas por las revistas gráficas de la época, habría que citar las sacadas por Charles Monney Millet sobre el sitio de Bilbao y las de los donostiarras Aguirre y Otero desde el lado liberal. En el bando carlista sobresalen las de Ladislas Konarzewski sobre la partida del cura Santa Cruz, las del catalán J. Cantó de los trabucaires del general Savalls, y las tomadas de la 4ª Batería de Artillería Montada en Estella por un fotógrafo desconocido.

No se conservan apenas imágenes realizadas en cárceles y prisiones durante la guerra, así como tampoco de muertos y heridos, algo común en conflictos coetáneos como la guerra de Crimea, Secesión americana o el levantamiento de la comuna de París.

El estupendo libro “Historia de la Fotografía en la última guerra carlista” es el que me ha dado pie a esta actualización. La obra escrita por Juan A. Pardo y Juantxo Egaña (Editorial Txertoa) destaca por la excelente impresión de las fotografías, de una gran viveza a pesar de la época primitiva en que aún se encontraba la misma, siendo un libro que “entra por los ojos”, y deja en un segundo plano unos textos, que sin embargo son muy detallistas en la información y la descripción de las trágicas circunstancias que rodearon a todas esas imágenes.

En boca de los autores “no se trata de un libro neutral, y tampoco es difícil ver en él un enfoque carlista, porque siempre es más importante la investigación sobre los vencidos, que sobre los vencedores. Del campo liberal ya hay muchas imágenes, queríamos investigar sobre todo en las imágenes de los derrotados”.

Muy recomendable.

El gran Oñate

2011-05-20T18:14:00.015+02:00

Si bien es cierto que no suelo traer a este espacio obra artística de autores extranjeros -por la especial idiosincrasia del mismo- cuando los trabajos hacen referencia a la historia de nuestro país, me parece muy interesante su promoción y conocimiento, ya que en mi opinión siempre es agradable descubrir fuera de nuestras fronteras la importancia y el aprecio que algunos artistas dan a nuestro legado histórico.

Cuando un buen amigo me habló del trabajo del escultor norteamericano John Sherrill Houser, lejos estaba de imaginar el impacto visual que iba a recibir al descubrir su obra estrella: la escultura del conquistador y explorador hispano Don Juan de Oñate. Y es que es muy difícil sustraerse a la sorpresa inicial de su imponente tamaño, algo que a posteriori deja paso a la admiración por el detalle y la fuerza que la escultura emana.

Houser, un enamorado de España y su historia, concibió esta obra como la primera de una serie de esculturas dedicadas a homenajear a aquellos hombres que exploraron y colonizaron durante el siglo XVI los territorios fronterizos entre lo que hoy es México y EEUU, siendo la ciudad texana de El Paso la candidata para hacerse con el primer trabajo del escultor.

La historia de la creación de la escultura arranca en 1997 momento en que Houser confecciona una maqueta de la escultura en tamaño reducido, miniatura que serviría de base para, trasladados a un estudio de ampliación en la ciudad de México, acometer el modelado de la colosal obra en el tamaño final. Una vez acabado el original, se llevó por piezas a un taller de fundición en Tesuque (Nuevo México), de donde salió hacia su emplazamiento final convertida en seis secciones de bronce, más una armadura interior de acero inoxidable. Con un peso total de diecisiete toneladas, la escultura se ensambló, en su mayor parte, en un hangar del aeropuerto de El Paso, completándose el resto una vez situada en la entrada de este, tras 8 días de montaje entre grúas y estructuras. El faraónico proceso finalizó en octubre de 2006.

Con más de once metros de altura, la magnífica escultura representa un caballo encabritado sobre las patas traseras, sobre el que a horcajadas monta Don Juan de Oñate. Con la mirada puesta en el horizonte, el conquistador ha sido retratado con barba, casco, espada, botas y guantes, en la mano izquierda las riendas, y en la mano derecha un curioso objeto: “la Toma”, el documento que reclama esta tierra para el Rey de España.
El efecto es imponente, en parte debido al tamaño, y en parte al exquisito detalle de la talla, considerada como la estatua de bronce más grande del mundo.

Premios Ejército 2011

2011-05-06T19:22:00.007+02:00

Los Premios Ejército en su XLIX edición han estrenado cambios significativos, en cuanto a tiempos y fallos de los mismos, y si bien es cierto que las novedades no han afectado a los formatos y bases particulares que caracterizan cada categoría, si que podemos hacer un seguimiento por partes del desarrollo del mismo.

La obra de Iago Eireos “Chinook en misión de ayuda humanitaria” ha sido la primera en incorporarse a la lista de galardonadas en la edición de 2011. Lo ha hecho en la modalidad de Pintura (categoría Gran Formato), que se falló el 25 de abril en el Palacio de Buenavista, donde se ubica el Cuartel General del Ejército.

El jurado, formado por varios expertos vinculados al mundo del arte, ha elegido como ganador este cuadro entre los 63 que se habían presentado al concurso. En cambio, decidió declarar desierta la categoría Pequeño Formato, a la que optaban otras tantas obras.

El mismo día, el jurado de Fotografía dictaminó su fallo en las dos categorías que componen esta modalidad: Serie e Individual. En la primera, fue elegido el conjunto de cuatro fotografías titulado “Historias de soldados”, obra de José Ramón Luna, mientras que en la segunda categoría, resultó premiada la obra “En acción”, de Vicente Bataller. Siendo 90 el número total de obras presentadas.

Los próximos fallos están previstos para el 22 de mayo, cuando se reunirán los jurados de Pintura (categoría Pintura Rápida) y Miniaturas Militares, en un día en el que los organizadores han programado una serie de innovadores eventos a desarrollar en el mismo Palacio.

El programa dará comienzo a las 8,30h de la mañana, momento en que empezará la inscripción de obras. En una jornada de puertas abiertas, mientras que artistas armados con pinturas y caballetes demuestran su valía ante el lienzo por los rincones del Cuartel General, miniaturistas se concentrarán para exponer sus obras, entre la feria comercial dispuesta para el momento, y el seguro “ambientillo” con que gozará el encuentro.

Hay que recordar que la preinscripción para estas últimas categorías se puede hacer desde el 5 al 19 de mayo a través de la página web del Ejército de Tierra ( www.ejercito.mde.es ).

Por último, el 23 de mayo, se fallarán las últimas categorías: Enseñanza Escolar e Investigación en Humanidades y Ciencias Sociales.

Los Benlliure, una familia de artistas.

2011-04-29T18:49:00.022+02:00

La saga de la familia Benlliure fue iniciada en este espacio con la figura de Mariano Benlliure, uno de los más grandes escultores que ha dado la historia del arte en nuestro país, y el menor de tres hermanos también artistas. Juan Antonio y José Benlliure, destacaron sin embargo en la pintura, siendo este último, quien dejó un legado más importante.

José Benlliure Gil (1855-1937) nació en el barrio valenciano del Cabañal, en el seno de una familia de amplia tradición artística. Fue el segundo de seis hermanos, y su vida no se diferencia mucho de la de otros artistas de la época, ya que como otros empezó siendo un niño prodigio, matriculándose con tan solo 12 años en la escuela de bellas artes de Valencia - con 14 años de edad realiza los retratos de la familia del Rey Amadeo de Saboya, así como también los retratos del Duque de Aosta y del Conde de Turín-, para después de ser becado, cursar estudios fuera de nuestras fronteras.

Así viaja en 1872 a París, donde pasado un tiempo se reuniría con su hermano Mariano. En 1878, instalado en Madrid pinta “el Gólgota” cuadro por el que obtiene una tercera medalla siendo comprado por el estado español por la nada despreciable cantidad de 3000 pesetas, dinero que permitiría viajar a Roma, donde conocerá a otros artistas españoles como J Villegas, Mas i Fondevila, Álvarez Cátala y otros. Desde allí, José Benlliure no cesa de trabajar, realizando innumerables acuarelas y óleos de temática costumbrista, cuadros que son vendidos sobretodo en Inglaterra, donde precisamente consigue la medalla de plata en la exposición internacional de Londres de 1884.

En 1887 obtiene primera medalla en la exposición nacional con el cuadro “la visión del coliseo”; con dicho cuadro se presenta en 1891 en la exposición internacional de Múnich, donde se le concede la medalla de oro de primera clase, y el gobierno Alemán le otorga la “cruz de San Miguel”, nombrándolo académico de Bellas Artes de Múnich.

La carrera de José Benlliure prosigue en ascenso, obteniendo galardones y reconocimientos por su trabajo, como las medallas de Isabel la Católica o de la Legión de Honor francesa, así como nombramientos como Académico de la Escuela de San Luca de Roma o de la Academia Brera de Milán, miembro de la Hispanic Society de Nueva York, director del Museo de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, y un largo etcétera.

En 1913, José Benlliure se trasladó a vivir a Valencia, donde falleció el 5 de abril de 1937, eso sí, no sin antes ser nombrado hijo predilecto de la ciudad.

Es precisamente en la capital del Turia donde se encuentra la Casa Museo de los Benlliure, lugar digno de visitar por su belleza, y donde se puede admirar, entre muebles y objetos del siglo XIX, distintas obras de esta prolífica familia de artistas.

Expo Cusachs, fin del camino.

2011-04-22T17:31:00.017+02:00

Desde el pasado 4 de Marzo se expone en la sala multiusos del Museo Militar de A Coruña, la muestra “Cusachs, Arte y Miniatura”. La exposición itinerante, finaliza en Galicia el camino que emprendió hace un año, y que la ha llevado por tres de los más importantes museos de temática militar de nuestro país.

El Museo Militar de la ciudad herculina, emplazado en el corazón de la ciudad vieja y con unas preciosas vistas a la bocana del puerto coruñés, será el depositario de la muestra hasta el 31 de Mayo, fecha en que definitivamente dirá adiós. Por lo que todo aquel aficionado que no haya podido verla, todavía tiene tiempo para hacerlo.

Esta vez la colección de 33 miniaturas -que representan otras tantas obras del pintor José Cusachs- está arropada por cinco óleos, fieles reproducciones del artista catalán, propiedad del Museo, además de libros, revistas, catálogos, postales, textos e ilustraciones que nos explican un poco de la vida y obra del pintor militar.

La exposición “Cusachs, Arte y Miniatura”, depositaria de aquel “proyecto Cusachs” –alma mater de este blog- , ha sido fomentada y coordinada por este mismo espacio, portal que quiere agradecer en primer lugar a todos los miniaturistas, coleccionistas y propietarios de las figuras que conforman dicha muestra, su disposición a prestar sus “pequeños tesoros” durante todo un año.

En segundo lugar, agradecer de manera muy especial al Gabinete del Jefe de Estado Mayor del Ejército el haber cedido durante todo este tiempo fondos de su colección; al director del Museo de las Miniaturas de Jaca, D. Diego Fernández; al director en funciones del Museo Militar de Valencia, D. Rafael Sebastián; al director del Museo Militar de A Coruña, D. José Navas; y por extensión a todas las personas que trabajan en estos museos.

Gracias a todos, ya que sin su disposición, trabajo y entusiasmo, esta exposición no se habría podido realizar.

Desperta Ferro

2011-04-15T19:29:00.008+02:00

Como el grito de guerra entonado por los almogávares antes de la batalla; así reza el nombre de la primera revista especializada en la Historia Militar de la Antigüedad y el Medievo que se publica en nuestro país, y de la que en estos días, coincidiendo con la salida a la calle de su quinto número, se cumple el primer aniversario.

Desperta Ferro es la apuesta personal de los “alma mater” de la publicación -Alberto Pérez Rubio, Carlos de la Rocha y Javier Gómez Valero-, en profundizar en los periodos históricos por los que sienten pasión, trasladando a la revista, en un tono ameno pero riguroso, su experiencia y conocimientos.

Cada número tiende a ser temático, así en el primero explica diferentes puntos relacionados con la decadencia y caída del imperio romano, el segundo número detalla el mundo bélico celta y su visión desde el grecorromano, el tercero nos muestra el universo escandinavo y vikingo, y el cuarto recrea los distintos asedios que ha sufrido la ciudad de Constantinopla. Temas tratados desde artículos escritos por los mejores especialistas, traducidos correctamente, comprensibles para cualquier profano, surtidos de fotos y dibujos explicativos. La diversidad de los mismos en cada revista, en relación con un tema central, los hace aún más interesantes y útiles a la hora de entender con cierta profundidad la época tratada.

Pero el apartado que más me ha impresionado de Desperta Ferro es sin duda el gráfico. Es en este campo donde los editores muestran su empeño por la excelencia en la evocación de tipos y situaciones que ilustren el texto, fieles al registro arqueológico e iconográfico de la época. Las magníficas ilustraciones que encontramos en cada número, resultan especialmente didácticas para todo aquel que esté interesado en comprender la realidad bélica en la Antigüedad.

Los responsables de la calidad artística de esta publicación, no son otros que nuestros admirados amigos José Daniel Cabrera Peña y Ángel García Pinto( cuyas obras ilustran esta actualización), quienes junto con algún trabajo del tristemente desaparecido Dionisio Álvarez Cueto, y los mapas detallados de Carlos de la Rocha y R. Álvarez, hacen de Desperta Ferro una joya editorial, a la altura -e incluso por encima- de aquellas envidiadas publicaciones anglosajonas que marcaron toda una época.

Para más información, no dejéis de visitar su página web.

http://www.despertaferro-ediciones.com/

Las postales de Carlos Bartual

2011-04-08T23:30:00.007+02:00

Este mes de Abril se cumplen 18 años de la temprana desaparición de Carlos Bartual Díaz, otro ilustrador de temas militares españoles, injustamente caído en el olvido, cuyo trabajo se desarrolló principalmente en el Servicio Histórico Militar del Ejército.

El capitán Bartual (1936-1993), militar profesional del Cuerpo de Armamento y Construcción - al igual que el admirado Delfín Salas- destacó muy pronto por su afición al dibujo y a la historia militar, campos en los que, gracias a su destino, exploró concienzudamente. Los estudios sobre uniformología y vexicología que cursó en el Servicio Histórico, le hicieron un habitual colaborador de la revista “Historia Militar”, con artículos a los que no solo ponía el texto, sino que también ilustraba.

Pero sus trabajos no solo se centraron en investigaciones para el Centro, sino que junto a José Luis Román era el ilustrador oficial de la revista “Maqueta”-publicación de los años 70 que los aficionados al maquetismo más veteranos recordaran- colaborando en otras publicaciones como las revistas “Defensa” o “Carteya”. Son también dignas de reseñar las series de postales que para “Heliodoro, Ediciones de Arte y Bibliofilia” realizó, desgranado en estuches de a seis láminas los uniformes de “las Tropas españolas al servicio del imperio” (1975), “los Ejércitos españoles en la época napoleónica” (1976), “las Tropas españolas en el segundo Sitio de Gibraltar” (1978) o “las Tropas en la Guerra Civil española” (1978), entre otras.

Su dibujo, de marcada línea clara, da preferencia a mostrar los detalles de la labor uniformológica, sin perder por ello la libertad del trazo, si bien un tanto ingenuo en muchas ocasiones. En sus ilustraciones deja entrever el gusto por los fondos propios de los grabados del siglo XIX, recordando la estética de la obra de Daniel Vierge.

José María Garate Córdoba le dedica en su artículo “Aquél Servicio Histórico” (Revista de Historia Militar nº100, año 2006) estas palabras: “…y luego estaba el excelente maestro Carlos Bartual Díaz, gran restaurador y dado a la escultura, con las irregulares virtudes de los buenos artistas del pincel y del bulto, pero también serio historiador de acertada redacción"

Me gustaría agradecer a mis amigos Fernando González de la Peña, Jesús Gamarra y Agustín Pacheco el haberme puesto sobre la pista de este artista, facilitándome entre los tres la práctica totalidad de la información aquí vertida.

Los soldados de Labayen

2011-04-01T18:59:00.008+02:00

Para un profano, los soldados de plomo son pequeñas figuras, más o menos graciosas, que representan tropas militares en aptitudes de desfile o acción, y que durante mucho tiempo fueron el juguete de no pocos niños. Tal definición es completamente correcta, ya que los tradicionales “soldaditos de plomo” han formado parte de la etnología propia de los países desarrollados durante los tres últimos siglos.

Sin embargo, en los años 60 del siglo pasado, una serie de artesanos europeos, deciden dar un paso más en la fabricación de estas figuritas, dotándolas de un detalle y una minuciosidad, hasta la fecha jamás vista. Es el nacimiento de la “miniatura militar” tal y como la conocemos hoy en día: una pequeña escultura en aptitud de pose, perfectamente detallada y donde prima el rigor del uniforme y la calidad artística, al encanto del juguete infantil. En España el pionero de este nuevo concepto de “soldaditos” fue, sin lugar a dudas, Ramón Labayen.

Este tolosano, conocido popularmente en su tierra por haber sido alcalde de San Sebastián y Consejero de Cultura del Gobierno Vasco, y en el resto del mundo por sus maravillosas miniaturas, comenzó a modelar figuras en 1961 de manera totalmente autodidacta, siguiendo los pasos de la escuela británica de Charles Stadden. Con mucha paciencia y empeño, Don Ramón y su discípulo Fermín Galarreta, consiguieron en poco tiempo reproducir un tipo de miniatura, que por su detalle y bellísima decoración, muy pronto fueron referencia mundial.

Ordenada por series, la colección Labayen se nutrió primeramente de referencias sobre soldados británicos, rusos, alemanes y austriacos del siglo XIX. Posteriormente vendrían las tropas españoles de mediados del XVIII, las de Carlos IV y los uniformes de la Guerra de Independencia. Aunque la serie estrella del taller nacería a principios de los 70 con la “Colección Rousselot”; más de 150 referencias dedicadas a las Guerras Napoleónicas, basadas en las láminas de los ilustradores franceses Rigo y Lucien Rousselot . Son en estas últimas donde mejor se aprecia la calidad de la escultura de Labayen y Galarreta. Los bordados en las guerreras de los mariscales, los grabados en las banderas, los dolman y pellizas de los húsares, y muchos detalles más hacen de cada pieza una pequeña joya.

Tras un paréntesis debido a su paso por la política, Ramón Labayen regresa a la producción de soldados a finales de los 80, con una colección final un tanto anárquica, al estilo de los tiempos, que la proliferación de una documentación especializada esplendida, hace posible. De su taller salen figuras de los Borbones españoles, franceses y napolitanos del siglo XVIII, prusianos de Federico el Grande, austriacos de María Teresa, tropas del Kaiser Franz, figuras especiales como la de Simón Bolívar para el Pabellón de Euskadi en la Expo Universal de Sevilla. Y como no, soldados napoleónicos a pie y a caballo, en 54mm y en 30mm.

Los casi 50 años de producción de miniaturas Labayen la han convertido en historia viva del miniaturismo militar, habiendo un antes y un después en la concepción del mismo. Sus figuras, hoy en día objeto de búsqueda preciada por parte de los coleccionistas, poseen el encanto de las cosas hechas por amor al arte. En palabras del propio Don Ramón: “….es un privilegio pertenecer al mundo de los soldados de plomo, que está hecho de Historia Militar, de erudición iconográfica, de sensibilidad artística y sobre todo de gentes entusiastas, entregadas a una afición que es una auténtica pasión”.

Sería un ingrato si desde este espacio no fuese capaz de dar las gracias a este insigne artista vasco, ya que fueron sus miniaturas –detrás de un cristal en la trastienda de la juguetería Kits de Zaragoza- las que alimentaron durante mi infancia la pasión por esta afición.

Por todo ello gracias Don Ramón.

Ediciones Reales Sitios

2011-03-18T16:04:00.010+01:00

“Esculturas que recordarán a las generaciones futuras el orgullo de nuestro pasado”. Este es el lema de la colección Escultura Histórica comercializada por la empresa madrileña Ediciones Reales Sitios, quienes reproducen en bronce y con un gusto exquisito tallas españolas en el estilo decimonónico imperante a finales del siglo XIX, y que dieron lugar a importantes monumentos conmemorativos.

Dedicada en un principio, a la edición de facsímiles de bellos códices ricamente iluminados, deciden en 1998 realizar la primera escultura –una reproducción del monumento a los héroes del regimiento Alcántara obra de Mariano Benlliure- pionera de una larga serie que a partir de ese momento abanderará la firma.

Siguiendo un minucioso trabajo de investigación, los responsables de Ediciones Reales Sitios, buscan los bocetos originales que en su día crearon los artistas, los primeros modelos en barro, escayola u otro material, que posteriormente sirvieron para realizar las esculturas a gran tamaño, y confeccionar la reproducción que fundida en bronce mediante la técnica de la cera perdida, llega a las manos del coleccionista.

La belleza de la escultura, el interés por su autor, la sobriedad del material, su temática, tamaño, y su exclusividad, hacen que las esculturas sean del máximo interés para todos los amantes del arte y de nuestra historia.

Entre las obras de esta colección, se pueden encontrar reproducciones como la del anteriormente citado “Monumento a los Héroes del Regimiento Alcántara” de Benlliure, piezas como “El Almogávar” y “Los Cuatro Evangelistas” de Juan de Ávalos, la escultura de “El Cid Campeador” de José Álvarez Cubero, y otras obras de insignes genios de la escultura como Manuel Oms y Canet, Manuel Rodríguez Vázquez, Aniceto Marinas o Antonio Miranda.

La última pieza de esta colección, presentada en primicia en este espacio, es la reproducción de la escultura de “Hernán Cortés, Conquistador de Méjico”, obra realizada por el escultor Eduardo Barrón (1858-1911) y cuyo modelo original se encuentra ubicado en la bella localidad extremeña de Medellín. Con una altura de 38 centímetros, la escultura nos muestra a un Cortés con aire majestuoso enarbolando en una mano el Pendón de Castilla y en la otra el cetro de mando, teniendo bajo sus pies trozos de altares e ídolos aztecas.

Los precios de las esculturas van desde los 600 euros hasta los 6.000, siendo realizadas, las más económicas, con una capa de bronce sobre fundición en frió de cobre, y las demás en bronce macizo, ambas tratadas a mano con pátinas a base de grafito y calcita y terminaciones pulidas. Las tiradas están limitadas a 100 ejemplares.

Por último reseñar que Ediciones Reales Sitios ha llegado a un acuerdo con nuestro querido y admirado Augusto Ferrer-Dalmau para comercializar obra pictórica de pequeño formato a través de la propia empresa (como el precioso ejemplo de abajo), proyectando, para un futuro próximo, alguna escultura basada en sus cuadros.

Moreno Carbonero, el academicista.

2011-03-11T16:37:00.008+01:00

José Moreno Carbonero (Málaga, 28 de marzo de 1858 - Madrid, 1942), fue otro niño prodigio de la pintura, ingresando con tan solamente diez años en la Escuela de Bellas Artes de Málaga, donde fue discípulo de Bernardo Ferrándiz.

Desde muy joven se dedica a viajar por el mundo absorbiendo las enseñanzas y vivencias que ineludiblemente condicionaran su obra. Así en 1873 se desplaza a Marruecos junto al propio Ferrándiz, donde comienza a realizar cuadros de temática africana a la manera de Mariano Fortuny. Dos años más tarde se establece en Paris gracias a una beca de la Diputación de Málaga, allí ingresa en el taller de Jean-León Gérôme, pintor francés academicista y del que Moreno Carbonero captará su amor por la pintura histórica. Son los años en que el magisterio de Raimundo de Madrazo le orienta hacia uno de los temas que será fuente constante en su trayectoria: el Quijote.

En 1881 obtuvo medalla de oro en la Exposición Nacional con la obra 'El príncipe Carlos de Viana'. El pintor acababa de cumplir los 25 años, y gracias a esa obra consigue una pensión de mérito para estudiar en Roma, ciudad que le decanta de forma definitiva por el realismo académico que venía practicando hasta entonces.

Regresa a España en 1886 con el prestigio de ser reconocido como uno de los grandes pintores académicos de la época, gracias a su excelente técnica y al realismo de sus obras. El artista hace gala de un firme dibujo, un sensacional trabajo de documentación, una extraordinaria precisión en los detalles y un excelente verismo para resolver los personajes, destacando sin duda la paleta clara y la sensación atmosférica de sus cuadros.

Famosa es la anécdota donde para crear la escena de la obra “Entrada de Roger de Flor en Constantinopla” (1888), captada al aire libre, no dudó en poner el lienzo en la plaza de toros de Málaga y hacer desfilar a sus amigos como modelos.

En 1892 es nombrado catedrático de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y en 1898 académico de la misma. Sus incursiones en la pintura de género le convierten en un solicitado retratista de la alta sociedad del momento, siendo el favorito de la realeza y la aristocracia, y consiguiendo vender sus cuadros de historia a precios astronómicos para la época. Sus obras más relevantes son, además de la anteriormente mencionada, “El príncipe de Viana” (1881), “Encuentro de Sancho con el Rucio” (1878), “La conversión del duque de Gandía” (1884), y “La rendición de Granada” (1882). Gran parte de su pintura se puede contemplar en el Museo de Bellas Artes de Málaga, donde se conservan más de treinta cuadros suyos.

José Moreno Carbonero fue, junto con Pablo Picasso, uno de los mejores pintores que ha tenido Málaga. Su obra se anticipó al hiperrealismo. Es -el pretérito no existe en artistas que nos dejaron el legado de su obra- un pintor de pincelada segura y valiente, y un excelente retratista. Dedicado, ya en el siglo XX, casi por entero a la docencia, tuvo por alumnos a futuros grandes artistas, algunos de los cuales pasado un tiempo serían grandes maestros de la pintura como Juan Gris o Salvador Dalí.

Imágenes para el III Centenario de Ingenieros

2011-02-18T17:00:00.005+01:00

El pasado14 de diciembre se presentó en el Palacio de Buenavista, sede del Cuartel General del Ejército, en Madrid, el calendario del 2011 con el que el Departamento de Comunicación del Ejército ha puesto imagen a la conmemoración de los 300 años del Arma de Ingenieros.

El calendario, obra del artista valenciano Francisco Santana, recoge la historia de los ingenieros militares a través de sus tradiciones y gestas desde su creación en 1711 hasta el siglo XXI. Lo componen 12 cuadros en los que el autor ha empleado una técnica mixta (lápices, acrílicos, etc.) utilizándo el "collage" para ensamblar las piezas que componen cada imagen. En palabras de su autor: "Así he pretendido acentuar el contraste entre las imágenes de estilo clásico y una estructura mucho más moderna y desenfadada"

Además del calendario, para la ocasión se ha publicado un libro, titulado "Abriendo camino", que recoge las palabras del teniente general Agustín Quesada, quien narra los más importantes hitos históricos del Arma durante sus tres siglos de existencia, y que se acompañan con las ilustraciones que el pintor ha creado para cada mes del año.

Paco Santana, nacido en Picassent (Valencia) en 1956, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha sido discípulo de Antonio Saura en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, realizando en Varsovia, estudios sobre las vanguardias en los paises del Este, para acabar viajando por toda Europa tras las corrientes vanguardistas más importantes.

En la actualidad realiza exposiciones regulares de ámbito nacional, compaginando la pintura con la ilustración y el diseño arquitectónico. Es también jurado, en la modalidad de pintura, de los Premios Ejército.

En la página web del Ejército de Tierra, se puede ver un interesante vídeo con explicaciones de los autores, e imágenes del proceso de creación de los cuadros.

Las Navas de Tolosa

2011-02-11T16:27:00.010+01:00

“A cinco kilómetros de Santa Elena el pueblo más septentrional de la provincia de Jaén, junto al paso de Despeñaperros, existe un paraje donde los restos de armas antiguas son tan abundantes que durante siglos han surtido a los labriegos de la comarca del hierro necesario para la fabricación de sus herramientas. Es el campo de batalla de las Navas de Tolosa.”

La conclusión del último diorama coral del grupo “Los alegres Turlurones”, representando la entonación del “Te Deum Laudamus” al final del combate de Las Navas -basado en las ilustraciones de Ángel García Pinto- me ha dado pie esta semana a tratar, desde un punto de vista artístico, la batalla más importante y que más influyó en la llamada “Reconquista”.

Históricamente, la batalla de las Navas de Tolosa (16 de julio de 1212) supuso la entrada de los cristianos en el corazón de Al-Andalus conquistando poco después todo el valle del Guadalquivir. La victoria de los cristianos aliados (castellanos, navarros, aragoneses y franceses) contribuiría al derrumbe del imperio almohade y a la rebelión de los andaluces para liberarse de ellos, con lo que la desunión musulmana facilitaría aún más la conquista castellana.

Las Navas de Tolosa por Francisco de Paula Van Halen

La representación de la batalla de las Navas de Tolosa en el arte, salvando su inclusión en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio (1284), ha quedado limitada fundamentalmente a los pintores historicistas del siglo XIX.

Es en ese siglo, de la mano del movimiento Romántico y el Realismo, cuando cobra especial protagonismo la pintura de historia. El motivo se encuentra en el despertar de los nacionalismos en Europa, siendo reflejo en nuestro país, la búsqueda histórica de los orígenes nacionales en forma de cuadros grandilocuentes donde plasmar momentos históricos importantes, hazañas o victorias militares.

El Triunfo de Santa Cruz en la batalla de las Navas de Tolosa de Marceliano Santa María

Posiblemente, de todas las obras que hacen referencia a la batalla, la más importante sea la pintada en 1864 por Francisco de Paula Van Halen (1810-1887), la cual, aunque perteneciente al Museo del Prado, se haya depositada desde 1879 en el Palacio del Senado en Madrid.

El Triunfo de Santa Cruz en la batalla de las Navas de Tolosa de Marceliano Santa María (1866-1952), fechada en 1892, es otra de las más conocidas. Su ubicación actual es el Museo Marceliano Santa María en Burgos.

El Palacio del Gobierno de Navarra en Pamplona acoge dos representaciones de la batalla: un lienzo pintado en 1864 por Francisco Aznar (1831-1911), y un impresionante tapiz realizado en 1950 por Vicente Pascual en base al diseño del pintor Ramón Stolz. También en Navarra, un poco más al norte, en Roncesvalles, los peregrinos que visitan la Colegiata de Santa María pueden admirar la preciosa vidriera que recoge el momento en que el rey Sancho VII el Fuerte asalta las cadenas que protegen al califa Miramamolín.

Batalla de las Navas de Tolosa por Víctor Morelli

Las Navas de Tolosa por Horace Vernet. Versalles

Otros artistas de la época como Antonio Casanova y Estorach (1847-1896), Víctor Morelli (1860-1936) o el francés Horace Vernet (1789-1863) también dejaron su personal interpretación de Las Navas de Tolosa.

Para acabar, me gustaría recomendar la visita del Museo de la batalla de Las Navas de Tolosa, un estupendo y moderno espacio expositivo a los pies de Despeñaperros, que invita al visitante a evocar aquella trascendental contienda.

La colección Vinkhuijzen

2011-02-04T20:06:00.006+01:00

La Biblioteca Pública de Nueva York posee una de mayores colecciones de grabados de uniformes militares del mundo. Legados del médico holandés Hendrick Jacobus Vinkhuijzen (1843-1910), la colección consta de más de 32.000 ilustraciones de infinidad de fuentes, montadas en 762 álbumes, los cuales, hoy en día, podemos visualizar digitalmente.

El doctor Vinkhuijzen llevó una agitada vida, ligada muy a menudo a ambientes militares, empezando a desempeñar su profesión en el Real Cuerpo de Tiradores del ejército holandés en La Haya, para posteriormente servir en Francia en una ambulancia de la recién fundada Cruz Roja durante la guerra Franco-Prusiana (1870-1871). Viajó a Rusia, donde permaneció en Moscú estudiando remedios contra la peste, y finalmente acabó su carrera profesional siendo el médico oficial de la corte del príncipe Alejandro de Holanda.

Gran coleccionista, Vinkhuijzen dedicó su vida a recopilar ilustraciones y grabados de uniformes militares de ejércitos de todo el mundo, con una calidad estética muy variada. En su colección se pueden encontrar ilustraciones de libros de corte costumbrista del siglo XVII junto con cromolitografías del siglo XIX, acuarelas originales de cierto mérito artístico, dibujos a lápiz, e incluso fotografías ocasionales. El color de algunas de las imágenes impresas en blanco y negro es obra suya, al igual que el de algunas de las acuarelas sin firma.

En lo referente al ejército español, el médico holandés reunió 1400 ilustraciones, disponiéndolas en 34 carpetas que abarcan la uniformidad desde el año 500 a 1900. Las fuentes son de lo más diverso, encontrando láminas del conde de Clonard para álbumes de infantería y caballería, grabados de Daniel Vierge, ilustraciones de Jiménez y Villegas, dibujos coloreados de los Álbumes de las tropas carlistas del Norte y del Ejército de Cabrera, entre otras muchas cosas más, todo ello mezclado con infinidad ilustraciones de autores alemanes y franceses (Knotel, Eriz, etc.).

Vinkhuijzen organizó su colección como dibujos sueltos en cajas, de acuerdo con su propio sistema de clasificación, ósea por país y período de tiempo; esta organización es la que se mantiene para navegar por la colección digital de la New York Public Library, de la que, en su referencia al ejército español, aquí os dejo el enlace.

http://digitalgallery.nypl.org/nypldigital/dgtitle_tree.cfm?title_id=614973&level=2&tword

Josep Cusachs en Valencia

2011-01-28T16:37:00.011+01:00

Como ya se anunció en este mismo espacio, el Museo Militar de Valencia acoge hasta el 20 de Febrero la exposición itinerante “Cusachs, arte y miniatura”.

La muestra, que viajó desde el Museo de la Miniatura de Jaca hasta la capital del Turia, conserva como cuerpo central las 33 miniaturas que en su día desgranamos en este blog, con el gran aliciente de contar con tres cuadros originales del pintor catalán.

La obra de grandes dimensiones “Toma del fuerte de Collado de Alpuente” (175 x 197cm), depositada en el propio Museo, preside el espacio expositivo. Cusachs pintó este cuadro en 1900, retomando sus libretas de apuntes en campaña, ya que fue testigo y protagonista de la acción, situada en 1875 durante la tercera Guerra Carlista en el Maestrazgo.

Los otros dos cuadros que se exponen junto a las figuras, corresponden a los retratos de los capitanes D. Juan Resina y Represa (117 x 63 cm) y D. Eduardo Temprano y Pérez (117 x 63cm), ambos compañeros del propio Josep Cusachs.

Dichas obras, depositadas en los despachos del Regimiento de Artillería Antiaérea nº 81 en Manises (Valencia), tienen de extraordinario el que raramente han salido de sus emplazamientos, por lo que su contemplación es una oportunidad única de admirarlos.

A escasos metros del Museo valenciano, en el Palacio de la Capitanía General, se encuentra otro cuadro del pintor, concretamente “la muerte de Rochera en Vich.1874”, una obra de similares medidas a la de “Alpuente”, cuya visión pública esta restringida, y que lamentablemente no ha sido incorporada a la muestra.

Completan la exposición diverso material bibliográfico con referencia al artista, así como una pequeña muestra de uniformes, armamento y material coetáneos a la época militar del pintor.

Aquel aficionado que no pueda desplazarse a Valencia, tendrá una última oportunidad de ver la exposición en el Museo Militar de A Coruña, desde principios del mes de Marzo hasta finales de Mayo.

La Pinacoteca

2011-01-21T17:40:00.008+01:00

Desde esta misma semana se puede encontrar en el margen derecho del diseño de este blog, una vieja aspiración que tenía por realizar. Se trata de “La Pinacoteca” o lo que es lo mismo, una colección de álbumes con más de 800 pinturas, esculturas, grabados e ilustraciones de temática histórica y militar española.

Ordenados por épocas, estas recopilaciones recogen las obras de innumerables artistas que han dedicado, en algún momento de su vida artística, un espacio para retratar, enaltecer o simplemente describir con imágenes la historia de nuestro país.

Para ello he utilizado un criterio basado en el volumen de trabajos dedicados a los distintos periodos históricos, ya que una mayor especificación hubiese provocado un sinfín de pequeños álbumes, algo de lo que he intentado huir.

Aún así me he permitido hacer dos excepciones al orden arriba expuesto: el álbum dedicado a Josep Cusachs y el que contiene la obra de Augusto Ferrer-Dalmau, al que tengo que agradecer su disposición a compartir la totalidad de sus trabajos. El motivo por el cual he creado un espacio propio para cada uno de estos grandes artistas, no es otro que la enorme cantidad de obras que ambos atesoran, mereciendo, a mi entender, un álbum donde agrupar toda su pintura.

Por supuesto, “La Pinacoteca” no contiene toda la obra de esta temática que existe, por lo que este es un espacio vivo en el que poco a poco ir agrupando imágenes que vaya descubriendo, fotografiando o escaneando, y en el que agradecería contar con la ayuda de todo aquel aficionado que quiera echarme una mano.

Completan esta nueva sección un álbum dedicado a la “escultura urbana”, en el que todavía queda mucho por incluir, y el llamado de “las tropas carlistas del norte” que por su cantidad de grabados he preferido separar.

Por último, me gustaría reseñar que en la mayor parte de las imágenes figura tanto el nombre de su autor como el título de la obra, pidiendo disculpas por anticipado si en alguna he podido cometer algún error.

La monumentalidad de Julio González Pola

2011-01-14T16:50:00.016+01:00

Julio González-Pola y García nació en Oviedo en 1865 en el seno de una familia de militares. Inició su carrera artística en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo, para posteriormente continuar su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid donde sería discípulo del maestro Juan Samsó y Lengluy.

Batalla de Ponte Sampaio en Pontevedra

Fiel al sistema de méritos de la época, acude por primera vez a una exposición nacional de Bellas Artes en 1890, aportando una escultura con el título de “Retrato”. Insiste en la edición de 1892 con dos cabezas de niño y con la obra “Bromazo”. Vuelve a la de 1895 con un “Bajorrelieve en barro”, y en la de 1897, en la que presenta cinco obras. Con “Relieve decorativo en plata”, obtiene el primer galardón nacional: una medalla de tercera clase. Cuatro años más tarde se presenta con “Ensueños” y gana una segunda medalla. En 1904 lleva un hermoso bajorrelieve en mármol y tamaño natural con el título de “Ecce-Homo”, y en la nacional de 1908 culmina el mayor de sus éxitos: con el grupo titulado “Patria” alcanza una primera medalla.

Monumento al general Vara del Rey en Madrid

Este triunfo influye de manera decisiva en la obra de González-Pola, que a partir de ahí tiende a la exaltación de las virtudes patrióticas. El heroísmo, la abnegación, el valor, son simbolizados por él de forma constante. Así es que en 1924, en el concurso internacional de proyectos, se le encargó el monumento que en Santa Fe de Bogotá conmemora “la batalla de Ayacucho”, siendo de él también, entre otros, el monumento a los “Repatriados” en el cementerio de Vigo, el de “la batalla de Ponte Sampaio” en Pontevedra, el del “Comandante Benítez” en Málaga, el de los “Héroes de Santiago de Cuba y Cavite” en Cartagena, o el homenaje a los “Héroes del Caney” cerca de Atocha en Madrid.

Monumento a la Reconquista en Vigo

Julio González-Pola, que acabó trabajando para el estado atendiendo a los encargos del rey Alfonso XIII, desempeñó varios cargos culturales, como la vicepresidencia del Círculo de Bellas Artes de Madrid o la secretaría de la Sociedad de Pintores y Escultores.

Monumento a los héroes de Cavite en Cartagena

Falleció en Madrid en 1929, dedicando buena parte de sus valiosas dotes creativas a recordar en bronce y en piedra las más importantes páginas de la historia militar de España, desde la Guerra de la Independencia hasta la de África, sin olvidar de manera muy especial los aciagos momentos vividos por nuestra bandera y por las tropas que heroicamente la defendieron en los lejanos mares y tierras de Cuba y Filipinas.

Carlos Parrilla Penagos, entre pólvora y salitre.

2010-12-31T20:22:00.007+01:00

Carlos Parrilla Penagos nace en Santander el 23 de julio de 1958, aunque es en Madrid donde cursa sus estudios y donde actualmente vive.

Ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando licenciándose en Grabado. Durante sus estudios ilustra libros de texto y de literatura infantil y juvenil. También expone sus acuarelas y grabados en varias exposiciones individuales y colectivas.

Con el tiempo se dedica a la publicidad alternando el mundo de la ilustración publicitaria y el story board para televisión, con su afición a la Historia Naval y la pintura de marinas, siendo uno de los escasos marinistas que existen en España.

Su trabajo puede verse en www.todoababor.es considerada la mejor Web de Historia Naval en español.

Con el permiso del pintor y del responsable de “todoababor”, voy a reproducir en esta actualización un artículo aparecido en esa Web, donde Carlos Parrilla, explica en primera persona como realiza una pintura, ya que me parece muy interesante mostrar a los aficionados a la pintura y al arte en general, el modo y manera con que los artistas abordan un trabajo, las técnicas empleadas, y sus comentarios al respecto.

Voy a intentar explicar cómo es el proceso que he seguido para la elaboración de la obra “Trafalgar”.
Comienzo siempre por imaginar la escena dibujándola a grafito a un tamaño de un folio o menor, lo hago así porque es más fácil dominar las perspectivas.
Una vez que tengo el boceto a mi gusto, lo escaneo y lo paso al ordenador, ahí lo dejo un par de días sin mirarlo porque al cabo de ese tiempo es más fácil distinguir los errores que pueda haber cometido. En realidad estoy corrigiendo la pintura a lo largo de todo el proceso de elaboración, pero por lo menos evito los errores más gordos. Cuando veo algo que no me gusta lo enmiendo a base de Photoshop.
Una vez ya satisfecho, amplío la ilustración a tamaño del lienzo elegido, lo imprimo y lo traslado, primero calcando los rasgos más generales, y luego redibujándolo todo a lápiz. Al tamaño definitivo suelen surgir más errores, generalmente de proporciones.
Después de tenerlo todo listo a lápiz lo repaso con un bolígrafo Bic de punta fina. Lo hago así porque al pintar con acrílicos, si sólo lo dejara a lápiz, éste desaparecería al aplicar las capas de pintura, teniendo que volver a dibujar todo una y otra vez. El bolígrafo, sin embargo, aguanta mucho este proceso, y se mantiene bastante visible por debajo del color aplicado. De todas formas en varias ocasiones he tenido que repasarlo igualmente.

Pasamos al color. Como hace muchos años me enseñó, el acuarelista Antonino Martínez Tavera, el color lo aplico dependiendo del plano que ocupe el motivo, pintando primero lo más alejado y finalmente lo más próximo. Aunque este proceso me lo salto en bastantes ocasiones, en términos generales lo sigo por razones lógicas y, sobretodo, prácticas. Empiezo por pintar el cielo, procurando siempre no recargarlo ni elaborarlo mucho para que no quite protagonismo al motivo principal que son los barcos.

El cielo es algo que parece una tontería de hacer, ya que bien podría decir que con cuatro pinceladas está resuelto, nada más lejos de la realidad, no recuerdo ni una sola ocasión en la que no haya sudado la gota gorda pintándolo.

Una vez terminado el cielo, y esto que voy a contar es una manía que tengo, lo reconozco, pinto las banderas y los gallardetes. Sé que parece una estupidez, pero si no las pinto en ese momento del proceso no consigo concentrarme en el resto, así que pinto las banderas y me olvido.

En este momento es cuando me enfrasco con los barcos. Pintar un barco no es tan difícil como a primera vista pueda parecer, por lo menos para mí, otra cosa es que sea laborioso, porque lo es y mucho.

En "Trafalgar" primero pinté el casco del "Trinidad", saltándome lo anteriormente dicho sobre los planos alejados y próximos (es que me encanta pintarlo), y luego los cascos de los otros navíos, y todo sin los efectos del combate acabados.
Una vez pintados los cascos me decidí a terminar al "Santísima Trinidad", en parte porque me apetecía pero sobretodo porque me lo permitía el hecho de que detrás de él sólo había cielo. Eso sí, al pintarlo seguí el proceso "plano alejado hacia primer plano", es decir, pinté la arboladura desde el mesana hacia el bauprés, y las jarcias de sotavento antes que las de barlovento.

Continué con los dos barcos a la izquierda de la composición, la fragata de señales y el "Neptune". Hay que tener cuidado para que al aplicar el color, estos dos elementos no pesen demasiado y se te vengan hacia adelante, para ello hay que matizar el color agrisándolo y rebajándolo con blanco, de esta manera se consigue que permanezcan en su lugar, o al menos eso es lo que se intenta.
Vamos a la derecha del cuadro. Primero la arboladura del "Temeraire", luego la de los barcos de la línea aliada del fondo, después la del "Victory", y finalmente la del "Bucentaure".

Una vez que tengo todos los barcos pintados a mi satisfacción comienzo a terminar los efectos del combate. No sin pena, lo digo de verdad, porque tapo con el humo y los cañonazos parte de lo pintado antes, aunque no demasiado. Aquí falseo un poco la realidad, me doy esa licencia, porque si pintara el resultado real de los fogonazos de pólvora negra los barcos prácticamente quedarían ocultos por el humo blanco, y no interesa, al menos a mí no.

Ya estamos acabando. Para mí, el mar es lo más difícil de pintar que hay. No hay un sólo cuadro con el que no me haya desesperado en este punto. Por regla general he tenido que pintar el mar como tres, cuatro o cinco veces, hasta que he quedado satisfecho. Es un proceso de pintar y tapar en sucesivas veces, y que en muchas ocasiones doy con el camino adecuado por simple casualidad, lo confieso, aunque también creo que estas casualidades sólo aparecen después de haber transpirado mucho. Hasta tal punto me he desesperado que he llegado a rajar el cuadro que estaba pintando en un par de ocasiones.

Yo cuando veo un mar bien conseguido de los marinistas que hay por ahí, me dan ganas de arrodillarme delante de él. Insisto, pintar el mar es muy difícil.

Y por último, pinto algo que siempre me divierte mucho, hasta el punto de que en ocasiones me descubro completamente infantilizado haciendo ruiditos con la boca, como cuando pintaba en clase de dibujo en el colegio; los salpicones de los astillazos en el agua. Qué le voy a hacer, en muchos sentidos, y afortunadamente, sigo siendo como un niño.

Con África en el corazón

2010-12-17T23:01:00.012+01:00

Así se titula la nueva exposición que Augusto Ferrer-Dalmau inauguró el pasado día dos de diciembre, en la galería Saoba de Madrid.

Allí se puede admirar la últimas obras del pintor, dedicadas esta vez a rememorar nuestro paso por África.

El pasado martes, tuve la suerte de poder acercarme a ver la exposición, encontrándome por vez primera con la pintura de este querido artista, cara a cara. Debo decir que la sensación es única, ya que solamente con la percepción de su pintura al natural, se puede descubrir la riqueza del color en sus cuadros, el realismo de las formas en caballos y jinetes, su suave difuminado en los bordes, el satinado natural de los acabados, y en fin, el amor por la historia de nuestro ejército que el pintor nos trasmite con cada cuadro.

La sala de exposición, lugar que no conocía, me pareció un espacio acogedor y elegante, digno emplazamiento para sublimes obras. El tapiz de la paredes y su estudiada iluminación, realza cualquier objeto a exponer. Si a esto le sumamos, el armonioso acompañamiento de la magnifica colección de sables y espadas de los anticuarios Salas, y unas pocos y escogidos uniformes de época, nos encontramos con un lugar, del que sencillamente da pereza salir.

Para terminar, quería dar las gracias a mi magnífico anfitrión, el propio Augusto Ferrer-Dalmau, quien nos dispensó toda clase de atenciones, pudiendo disfrutar, además de sus pinturas, de su animada conversación y sus exquisitas explicaciones.

La visita sirvió para concretar el próximo proyecto miniaturistico coral -ni más ni menos que el "Proyecto Ferrer-Dalmau", y el más que seguro emplazamiento: la Sala de Arte Saoba.

Por último, además de animar a todo aficionado a pasar por esta preciosa muestra, recomendar vivamente el libro que la acompaña "Con África en el corazón" editado por Galland Books.

También reseñar que se ha adelantado el día de clausura al día 5 de Enero.

La ilustración militar vista por José Luis Román

2010-12-10T22:30:00.007+01:00

Esta semana os dejo el perfil de otro artista español contemporáneo, quien en un punto de su dilatada carrera profesional como pintor, hizo un hueco para dedicarse a la ilustración militar, trabajos que por desgracia son más conocidos fuera de nuestras fronteras, que en nuestro país.

José Luis Román nace en 1949 e inicia su vocación plástica muy joven. Ya en su periodo de bachiller, su facilidad en el dibujo le hace obtener la calificación de Matrícula de Honor en todos los cursos. Pronto comienza a frecuentar los talleres de sus primeros maestros y su preparación para la carrera de Bellas Artes.

Abre su primer estudio en San Sebastian, cuando apenas contaba con 17 años. En aquella época participa en varias exposiciones de carácter colectivo, que no tardará en abandonará definitivamente.

Dedicado plenamente a su desarrollo artístico e intelectual, viaja por Europa y Norte de África acumulando vivencias y conocimientos.

Entregado totalmente a la investigación iconográfica, amplia estudios en París, donde imprimen sus primeras series litográficas sobre la epopeya Napoleónica. Su labor comienza a divulgarse por todo el mundo, aunque es el Musée de l’Armée a quien más interesa su obra, haciéndose depositario de sus trabajos.

Muy interesado en la reproducción gráfica de sus originales, desarrolla diversas colecciones para distintas iniciativas editoriales francesas y españolas.

Paciente y preocupado investigador e incansable viajero, tiene distribuidas más de 30.000 litografías por toda Europa y America. Sus artículos e ilustraciones, su preocupación técnica y estética, y su afición bibliográfica, contribuyen a considerar a José Luis Román como uno de los más cualificados especialistas, y a sus pinturas una forma original y válida de hacer historia.

Aunque hoy en día, el artista esta alejado de la ilustración militar, os invito a visitar sus interesantes trabajos en su pagina web

http://joseluisroman.net/

La Carga de Taxdirt

2010-12-03T17:26:00.010+01:00

Esta memorable acción de la caballería española es recordada por las tres cargas que el 4º escuadrón del 21 Regimiento de Cazadores, denominado “de Alfonso XII”, realizó el 20 de septiembre de 1909 en Taxdirt, lugar enclavado en el Rif, próximo a Melilla, en las operaciones militares posteriores a la derrota española del Barranco del Lobo, durante la guerra con Marruecos.

Ese día, una brigada de infantería que no participaba en la acción principal se vio acosada por unos 1500 “moros” de la cabila de Beni Sicar.

Uno de los batallones de la brigada, concretamente el Cataluña, inició el repliegue bajo un fuerte acoso de los rifeños, poniéndolo en una situación complicada.

El general Tovar al mando de la fuerza, optó por enviar, para auxiliar al batallón español, a la única fuerza de Caballería disponible: el escuadrón del Regimiento Alfonso XII.

Al frente de los 80 jinetes que lo componían se situó el ayudante del general Tovar, teniente coronel José Cavalcanti, quien mandó cargar hasta tres veces consecutivas contra los 1500 cabileños, despreciando la desigualdad numérica.

La acción de los cazadores, algo completamente inesperado por el enemigo, fue un éxito completo, ya que permitió el repliegue de los hombres de infantería y obligó a los rifeños a ceder toda la línea.

En la tercera carga sólo participaron 20 jinetes, ya que el resto había caído, estaba desmontado o persiguiendo al enemigo.

Las bajas del escuadrón de Alfonso XII fueron de 25 hombres, y por el valor demostrado en combate, tanto Cavalcanti como el estandarte de Regimiento recibieron la cruz Laureada de San Fernando, máxima condecoración militar española.

Pese a lo gloriosa de la carga que acabo de describir, poca literatura se ha escrito al respecto, y es curioso comprobar como hoy en día son más famosas acciones que acabaron en derrota como la de los “cazadores de Alcántara en Dar Drius (1921)” o los terribles y tristes desastres “del Barranco del Lobo (1909)”, “del monte Arruit (1921)” o de “Annual (1921)”. Sin duda es nuestra personal idiosincrasia hispana la que, al contrario que los anglosajones, siempre nos ha hecho magnificar las derrotas y despreciar tristemente las victorias.

Carga de Taxdirt de Augusto Ferrer-Dalmau

Taxdirt de Delfín Salas

En nuestros días, es de agradecer que artistas plásticos como Delfín Salas, Augusto Ferrer-Dalmau o Ángel García Pinto hayan dejado sobre el lienzo testimonio del combate, mientras que un humilde servidor también ha querido dejar su pequeño grano de arena con la composición en miniatura que aquí podéis ver. Espero que os guste.

La Sala de Batallas del Escorial

2010-11-26T17:08:00.003+01:00

En un blog como este dedicado al arte militar, no podía faltar la referencia a una de las más antiguas representaciones artísticas bélicas que se conserva en nuestro país: me refiero a la Sala de las Batallas del Monasterio San Lorenzo del Escorial.

La pintura de combates militares está especialmente vinculada a la decoración del Monasterio, obra emprendida por el rey Felipe II para celebrar la victoria de las tropas españolas sobre las francesas de Enrique II en la localidad gala de San Quintín. Durante su reinado, esta gesta militar y otras también de carácter bélico, fueron elegidas para decorar la llamada “Sala de Batallas”, espacio alargado que comunicaba los aposentos reales con la basílica y el colegio.

Con un lenguaje pictórico dibujístico, muy minucioso en el diseño de trajes y armas, en composiciones de amplias panorámicas con ejércitos y campamentos dispuestos ordenadamente, los pintores italianos Nicolás Granello, Fabricio Castello, Lázaro Tavarone y Orazio Cambiaso pintaron al fresco entre 1584 y 1591 varios episodios de las más famosas guerras ganadas por los ejércitos españoles, tales como la “Toma de la isla Tercera”, “la batalla de Higueruela” o la anteriormente mencionada “batalla de San Quintín”.

La Sala de Batallas es una impresionante estancia de 55m de larga por 5m de ancho y 7m de altura, iluminada por diez ventanas. Este tipo de recinto tuvo un amplio uso en el Renacimiento, ya que permitía disponer en el interior de los palacios de amplios espacios cubiertos donde se podía practicar desde el paseo, hasta audiencias, representaciones teatrales o conciertos de música. Su situación se puede considerar estratégica ya que comunica directamente con los Aposentos Reales, la basílica y el Colegio.

Dada su gran importancia dentro del mundo del siglo XVI, la decoración de la sala fue concebida siguiendo un programa iconográfico político-religioso, en donde, para realizar su lectura, hay que dar la vuelta completa a la estancia. En la pared principal se relata "La Batalla de la Higueruela", ganada por Juan II de Castilla a los moros granadinos en Sierra Elvira en 1431. En el primer testero se describe el "Castigo a la Isla Tercera" por la Armada española. Las escenas de las entreventanas narran nueve episodios de la campaña francesa de Felipe II, cuyo momento culminante se produjo el día 10 de agosto de 1557 con la gran batalla de San Quintín. En el segundo testero encontramos otro episodio de "La conquista de la Isla Tercera". Destaca, por su gran belleza, la fina decoración del techo a base de grutescos. En 1890 se instaló la barandilla de hierro que recorre toda la Sala según dibujo de José Segundo de Lema.

La importancia de estos frescos radica no tanto en su calidad pictórica cuanto en su importancia para estudiar, desde una concepción antropológica y artística, la utilización de la representación de las guerras -un motivo de presencia escasa en la pintura española- como una forma de propaganda. En cualquier caso es visita obligada para cualquier amante de la historia belica de nuestro país.

De Nowgorod a Possad

2010-11-12T16:09:00.018+01:00

Frente ruso, octubre-diciembre 1941

Guerra del corazón. Dios con espadas

de nieve; asalta las auroras frías;

torres del sueño, humanas agonías,

resisten en la tarde enamoradas.

Otra guerra secuestra las miradas,

que apenas ven, sobre la estepa inerte

sin flor ni roca: campos de muerte,

crudeza de las sendas reveladas.

Comandante Antonio Barrera. Augusto Ferrer-Dalmau

Desde la sangre al alma persevera,

-álamos de oro dulce, tierna rosa-

como en otoño azul, mi primavera.

Pero Tu voz, Señor, duele y acosa.

Ya escala el muro piedad severa,

toda la luz desierta y silenciosa.

Voljov (Boceto y cuadro terminado). Augusto Ferrer-Dalmau

Cieno en los pies y estrellas en la frente

Tristes, tristes aldeas de madera.

Un álamo. Gorriones. Ojos mansos

de larga esclavitud y pobre tierra.

Infinita la sed que ya no sabe

de sí, junto a este río que se hiela,

y, en frente, el fuego, al fin, enardecido,

con la muerte acostada en la ribera.

"Que en Rusia están". Augusto Ferrer-Dalmau

Cieno en los cuerpos, en las armas. Joven

el corazón lozanamente acecha.

Envolviéndonos triste, triste pueblo

que nada pierde porque nada espera,

gleba de Dios paciente en la llanura,

humildad resignada y sin promesa.

Con trigales, y fuentes, y montañas,

el soldado defiende su promesa

mientras abriga al corazón un barro

de compasión y de nostalgia eternas.

"El Volchow". Dionisio Ridruejo (1941)

José Daniel Cabrera, el último de la fila.

2010-11-05T17:20:00.012+01:00

José Daniel “Jos” Cabrera Peña, es por su juventud, el último gran artista en llegar al panorama de la ilustración militar española.

Este granadino de 32 años, arquitecto de profesión, y sin formación específica en bellas artes, irrumpió hace dos en el mundo de las publicaciones de carácter histórico, con la fuerza que da la juventud, la pasión y las ganas de triunfar en lo que más se desea.

Antes, aunque atraído desde niño por el dibujo y la pintura, probó con las miniaturas -apasionado por la historia medieval- creando muñecos de trapo vestidos con ropa, cotas de malla y armaduras, todas tan reales como le eran posibles, confeccionando armas, hebillas, bisagras y cualquier pequeño detalle que pudieran contener.

En algún momento, terminada la carrera, José Daniel se planteó revisar todos los ecos que rondaban en su mente sobre la inutilidad del dibujo y la pintura como salida laboral hoy en día, convergiendo todo en una sola reflexión: "puedo dedicarle todos los años de mi vida a una profesión que no me gusta, pero al menos voy a dedicarle uno a mi pasión, tan solo por probar".

De esta manera, comenzó dibujando cómics en la creencia de verse incapaz de realizar nada mas elaborado, comprobando muy pronto que el cómic es una disciplina a veces mucho mas difícil que el dibujo desnudo. Tras publicar algunos pequeños trabajos en fanzines y revistas, empezó a ilustrar manuales técnicos, publicaciones de temas no militares, y hasta telones de fondo para comparsas de carnaval.
No fue, hasta cuando hizo converger su afición por las cosas militares antiguas con su pasión por el dibujo, cuando el conjunto mejoró y empezó a trabajar mucho más a gusto.

La prueba de ello fue su fichaje por la editorial Almena para confeccionar las ilustraciones del volumen “La batalla de Toro.1476”. Tras esta colaboración vendrían “Gravelinas.1558” y “La batalla de Aljubarrota.1385” para la misma editorial, “Alsacia” y “Amilcar Barca” para la editorial Sátrapa, y desde este mismo año, reparte su trabajo como colaborador estable para la revista “Desperta Ferro” pintando portadas y dibujos interiores, con trabajos para otras publicaciones y particulares.

Su trabajo, no por ser descriptivo, deja de ser personal e intuitivo. Emplea óleos y acuarelas, telas y papel, jugando con el color y la luz, sobre personajes bien perfilados y llenos de detalles, en los que destacan las poses y rostros de los mismos. Llama la atención la pintura de armaduras, donde consigue un realismo como pocos artistas.

Desde su blog “la brújula cromática” José Daniel Cabrera, nos va poniendo al día de sus trabajos y colaboraciones, deteniéndose, como ningún otro pintor, en la explicación de sus técnicas, los conceptos artísticos que propone, sus dudas y frustraciones, búsquedas plásticas, etc.…. Investigador constante, se encuentra cómodo en el ámbito de la ilustración editorial, aunque cada día sondea con mayor frecuencia dentro de la "pintura mas tradicional", de la que destaca los autores del siglo XVII y XIX.

Sin duda tenemos en José Daniel Cabrera Peña a un gran artista - además de un tipo cercano, amable y asequible - para seguir de cerca y no perder de vista.

El Museo del Carlismo de Estella

2010-10-29T17:07:00.014+02:00

A finales del mes de agosto pasado, estando de viaje por el norte de España, visité, acompañado por mi hija y unos amigos, la población Navarra de Estella y el Museo del Carlismo que en ella se alberga.

Estella -otrora capital del carlismo navarro- es una ciudad monumental nacida al calor del Camino de Santiago. De marcado carácter Románico, sus estrechas calles atesoran palacios, casas señoriales blasonadas, iglesias, conventos, puentes y hermosos edificios. Todo este singular legado, su barrio judío, y la animada actividad comercial que la población disfruta, le han valido el sobrenombre de “la Toledo del norte”.

Enclavado en el barrio monumental de San Pedro de la Rúa, se encuentra el recientemente inaugurado Museo del Carlismo, ocupando un edificio del siglo XVII conocido como el palacio del Gobernador. El museo quedó abierto al público la pasada Semana Santa después de diez años de haberse iniciado la remodelación del palacio, y tras una inversión de 5,5 millones de euros subvencionados por el Gobierno Foral.

En las tres plantas que componen el inmueble se exhiben el patrimonio documental y el legado histórico/artístico del Partido Carlista -desaparecido en el año 2000- cedido en depósito indefinido al Gobierno de Navarra. Junto a estas piezas, el museo muestra otros bienes culturales adquiridos o cedidos por instituciones y particulares.

Completan el museo una planta dedicada a exposiciones temporales, una exposición gráfica sobre la historia y rehabilitación del palacio, y un edificio anexo destinado a oficinas y archivo, motor de la actividad investigadora que se ha previsto.

Carga de Lácar. Enrique Estevan y Vicente. Óleo sobre lienzo. 1886. Museo del Carlismo. Gobierno de Navarra. Estella

Una vez en el interior, y tras el paso por taquilla (la entrada cuesta 2 euros), el acceso a las salas se realiza a través de un elegante patio de dos pisos con triple arquerías sobre columnas clásicas. Ya dentro del espacio expositivo, la ordenada visita cronológica por los paneles que incorporan los hechos históricos más relevantes de la España del XIX, aderezada por el sinfín de objetos (banderas, uniformes, condecoraciones, armas, cuadros, fotografías….) que la enmarcan, se tornan en un verdadero placer para cualquier aficionado a la historia contemporánea de nuestro país.

Todo ello expuesto en salas diseñadas para una inmejorable visión de objetos y textos, donde cabe agradecer la ausencia de politización de los contenidos.

Batalla de la Primera Guerra Carlista. Francisco de Paula van Halen. Óleo sobre lienzo. 1841. Museo del Carlismo. Gobierno de Navarra. Estella

El Museo Carlista posee una cuidada muestra de pintura dedicada al carlismo y su periodo histórico, así en estos momentos, entre las obras en poder del museo, las cedidas por el Prado, y las que conforman la exposición temporal “Una historia por descubrir”, se hayan colgadas de sus paredes obras de Goya, Vicente López, Cusachs, Enrique Estevan, Elias Salaverria, Gustavo de Maeztu, Cecilio Pla, Muñoz-Sala, Francisco de Paula Van Halen, Carlos Vázquez, Morelli y José Benlliure. Todo un lujo.

Boceto de la batalla de Treviño de Víctor Morelli. Museo del Carlismo. Gobierno de Navarra. Estella

Trinchera carlista. José Cusachs y Cusachs. Museo Carlista. Gobierno de Navarra. Estella

Os adjunto un enlace con un completo recopilatorio de fotos, tanto del Museo como del edificio que lo alberga, además de la interesante historia sobre el Palacio del Gobernador de Estella.

Me gustaría agradecer a su directora Dña. Olaia Nagore el trato recibido y la remisión que me hizo de fotografías digitales para esta actualización. Así mismo comentar que tanto en Navarra como en el País Vasco existen otros dos museos de temática carlista, en los que, por desgracia, los contenidos están bastante politizados.

Sus direcciones son:

http://www.zumalakarregimuseoa.net/

http://www.pueblos-espana.org/navarra/navarra/tabar/Museo+de+Tabar/

¿Proyecto Ferrer-Dalmau?

2010-10-15T16:04:00.009+02:00

La constante fuente de inspiración que a los miniaturistas militares nos aporta el excepcional pintor catalán, ha provocado, en algunos círculos, la idea de plantear un nuevo proyecto coral sobre la obra de este artista.

Y es que, aunque no de una manera oficial, e incluso sin ser conscientes de ello, ya son varios modelistas españoles los que han empezado a realizar composiciones basadas en lienzos del pintor, quizás el germen de un futuro trabajo conjunto.

El principal problema que conlleva recrear en miniatura la obra de Augusto Ferrer-Dalmau, es la falta de personajes individuales sueltos, algo que en proyectos anteriores como el de Cusachs o el más reciente de Álvarez Cueto no pasaba. La complejidad de sus escenas o el reto de las figuras a caballo, es un trabajo a lo que, por desgracia, no todos los miniaturistas están acostumbrados a realizar.

No obstante, y como antes he mencionado, valerosos artistas de las masillas y de los pinceles ya han logrado vencer ese miedo escénico y han acometido la obra de Ferrer-Dalmau con el resultado que en esta actualización os presento.

Así, el veterano Jesús Gamarra ha dado por terminada la escena “el final de la batalla”, y ya prepara una sección de otro de sus cuadros. El navarro Waldo Osés que ya había modelado “lancero a la carga” -figura que pintó Roberto Ramírez- ahora ha llevado a miniatura la obra “donde muere mi caballo”, escena que pintará José Gallardo. Otro modelista que se ha apuntado a la moda Ferrer-Dalmau es Antonio Zapatero quien ha recreado el lienzo “el final” para que Miguel Ángel Garrido lo pinte, y ya prepara alguna otra cosa. También el murciano Antonio Meseger esta confeccionando una pequeña parte de la obra “Capitán Fernández Bermúdez de Castro”, de la que seguro pronto veremos más adelantos.

Otros miniaturistas como Miguel Ángel Pérez, Juan Carlos Ávila, el colectivo “Los alegres turlurones” o el que suscribe, entre otros, también están preparando su particular visión del trabajo de este prolífico artista, en un intento de hacer “fondo” para, si la idea cuaja y hay un buen número de obras, quizás realizar una futura exposición. Si en un tiempo prudencial, se consigue suficiente “cuorum” como para oficializar este embrión de proyecto, en este mismo espacio propondremos la manera de llevarlo a cabo.

Desde aquí me gustaría animar a otros miniaturistas a plantearse el bonito reto de llevar un “Ferrer-Dalmau” al terreno tridimensional, sin duda una buena excusa para plantearse nuevas metas y ejercicios técnicos un poco más elaborados que una simple figura, algo de lo que seguro quedaremos orgullosos.

Viejos temas, nuevos artistas

2010-09-24T15:49:00.009+02:00

Supone una alegría descubrir que la pintura histórica y militar no esta del todo muerta en nuestros días, y que varios jóvenes artistas han escogido este querido y admirado campo artístico como leitmotiv profesional. Así, ilustradores y pintores como Ángel García Pinto, Daniel Cabrera Peña, Augusto Ferrer-Dalmau, Marco Artolán, Carlos Parrilla Penagos o José Ferre Clauzel entre otros, han recogido el testigo de los grandes maestros de finales del siglo XIX y principios del XX, dotando a sus pinturas de su personal impronta.

Hoy me gustaría mostrar una semblanza del trabajo de José Ferre Clauzel, artista francés, que afincado en nuestro país, ha cambiado los preciosos paisajes que hasta hace poco poblaban su obra, por los soldados, los caballos y las armas.

De personalidad introvertida, Clauzel sintió la pintura desde muy niño y así lo entendieron sus padres cuando con sólo diez años ingresó en la escuela de Bellas Artes ABC de París, para más tarde, y ya en España, seguir perfeccionando su pintura en el Estudio Torrás.

A partir de ahí empieza su andadura como pintor profesional, vendé sus cuadros en Estados Unidos, donde aprende la técnica y el estilo de los paisajistas americanos. De aquella temprana etapa nacieron más de una docena de exposiciones.

Interrumpida su carrera artística por el Servicio Militar obligatorio, encuentra en el Ejército otra vocación oculta, y es allí donde nace la idea de poner en práctica la temática militar en sus cuadros. Terminado su paso por la milicia, vuelve a exponer en Francia con gran éxito de público y ventas.

Del Clauzel de hoy destacamos su calidad pictórica -avalada por pertenecer al grupo Escolá y por varios premios de pintura-, su realismo, y por el reto personal de hacer del pasado algo cercano, mediante sus trabajos en pintura militar. Sin duda, sus cuadros nos ayudan a sentirnos más cerca de la Historia.

En su web se pueden ver los trabajos de temática militar de este artista, aunque por estar en estos días modificando su página, momentáneamente no se puede ver su vertiente paisajista, de la que aquí os dejo una muestra.

http://realismoenlapintura.blogspot.com/2010/05/jose-ferre-claudel.htm

Exposición José Cusachs, arte y miniatura

2010-09-17T23:03:00.010+02:00

Todos los miniaturistas que decidimos, allá por 2006, hacerle un homenaje al genial pintor militar Josep Cusachs, coincidimos en que la exposición de la World Expo 2008 de Girona, fue un marco ideal para mostrar la colección de obras basadas en sus cuadros, pero también estuvimos de acuerdo en que la duración de la misma (un fin de semana) fue claramente insuficiente.

De aquella exposición nos ha quedado los buenos recuerdos, una figura, un libro y la satisfacción de ver a los mejores modelistas españoles trabajando por un fin común. Pero faltaba poder mostrar la obra del pintor catalán junto con la colección de miniaturas al público de la calle, a aquellos que no saben quien fue el artista o desconocen nuestro hobby.

Pues bien, desde el día 10 de este mismo mes y hasta el 14 de noviembre, la Sala de Exposiciones del Museo de la Miniatura de Jaca, cuenta con prácticamente todas las piezas que se dieron cita en Girona, en un intento de acercar nuestro trabajo a todo aquél que se deje caer por la preciosa Ciudadela de la capital del Pirineo aragonés.

La muestra esta desplegada en la magnifica Sala con que cuenta el Museo, y teniendo a un gran maquetista como es Diego Fernández como responsable de la misma, la disposición y el espacio expositivo no podía distribuirse mejor. Así, treinta y tres piezas -dispuestas en once vitrinas-otras tantas reproducciones de cuadros e ilustraciones del pintor, libros, postales, y un curioso "paso a paso" de como se realiza una miniatura, conforman la exposición.
Diego, ha creado un ambiente minimalista, donde el protagonismo es para las figuras, elevando cada pieza a la categoría artística de una escultura.

La exposición, una vez concluida en Jaca, viajará al Museo Militar de Valencia, donde permanecerá otros dos meses para acabar recayendo en el Museo Militar de La Coruña, en un intento de que pueda ser visitada por la mayor cantidad de público posible.

Desde aquí me gustaría dar las gracias a todos los amigos que han prestado desinteresadamente sus piezas para este fin. De igual manera, agradecer a los responsables de los Museos que han sabido captar la esencia de lo que un grupo de miniaturistas quiso proponer en su día. A todos muchas gracias.

Ricardo Balaca, un joven prodigio

2010-09-10T18:52:00.008+02:00

Ricardo Balaca y Canseco (1844-1880) es otro de esos pintores del XIX que destacó en su día por sus trabajos históricos, hoy tristemente pasados de moda para los críticos de arte, aunque no para su cotización en subastas internacionales.

Nacido en Lisboa, debido a que su padre José Balaca –también pintor- estaba exiliado en la capital portuguesa, pronto se afincaría en Madrid con su familia. Inició su formación en el taller familiar, y cursó sus estudios oficiales en la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado, dependiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, teniendo como profesor a Federico Madrazo.

Dibujante, ilustrador gráfico de revistas de la época, fue precoz participante en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, concurriendo por vez primera en la de 1858, "de edad de trece años" como apostillaba el catálogo, concediéndole entonces el jurado una mención honorífica de 2ª clase.
Cultivó sobre todo cuadros de batallas y retratos, realizando algunos para Amadeo de Saboya y Alfonso XII, a quien acompañó en 1876, comisionado por el Ministerio de la Guerra, al frente del Norte durante la 3ª Guerra Carlista, para reflejar en diversas pinturas escenas de la guerra civil.

Artista polifacético y fecundo, realizó una enorme cantidad de dibujos con temas militares y escenas urbanas para publicaciones de la época, como la prestigiosa “Ilustración Artística”, así como ilustraciones para la edición del "Quijote", publicada por Montaner y Simón.
Su obra, que hoy descansa en los museos y en colecciones particulares, se sitúa a caballo entre la generación plenamente romántica y la que se identifica con el eclecticismo de la segunda mitad del siglo XIX.

Si tuviese que destacar algún trabajo de Ricardo Balaca, este sería “La batalla de Almansa” (1,40 x 2,29m) lienzo pintado a la edad de 17 años, premiado con Mención Ordinaria en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1862, y que hoy adorna el Palacio de las Cortes en Madrid.

Murió prematuramente a los 35 años, el 12 de febrero de 1880, en su residencia de Aravaca (Madrid).

La batalla de Treviño

2010-09-03T18:32:00.012+02:00

Antes de que existieran los reporteros de guerra, hubo pintores de Historia que, sin haber sido nunca corresponsales artísticos, trabajaron en la prensa gráfica como dibujantes de estudio. Este fue el caso de Ricardo Balaca en La Ilustración Española y Americana, y Félix Regamey en el London News, durante la guerra carlista de 1872-1876. Otros pintores de Historia como Daniel Vierge y Pablo López Elorga también colaboraron en la información gráfica de esa guerra, enviando dibujos desde el frente.
La diferencia entre el dibujo de actualidad y la pintura clásica de tema bélico, se puede contrastar sobre una notoria batalla del conflicto carlista.

El 7 de julio de 1875, en las cercanías de Treviño, el Regimiento de Lanceros del Rey n.° 1 cargó sobre el tercer batallón de Navarra, mandado por José Férula, “el escribano de Corella”, en una acción decisiva para el ejército liberal. La Ilustración Española y Americana registró el incidente en un dibujo de Daniel Perea sobre croquis de un testigo presencial. En la revista el observador está situado muy próximo a los carlistas derrotados y caídos, y la estampa, que no atribuye rasgos heroicos a los jinetes vencedores, transpira toda la confusión de un hecho de armas real. El dibujo sólo representa soldados anónimos, figuras carentes de importancia narrativa. Aquí, por el contrario, la ausencia de «personajes» sería consecuencia de que la realidad inmediata que captó el reportero, lo que tuvo ante sus ojos, fue un episodio mínimo del combate.

Aunque la batalla de Treviño fue una acción menor,su carácter de carga de caballería capturó la imaginación de pintores de Historia españoles. Francisco Oller (sobre estas líneas) la llevó al lienzo en 1879, Ricardo Balaca en 1881, Eduardo Banda y Víctor Morelli en 1895 y1897, respectivamente.

Aunque fue Pablo López Elorga quien primero pintó el tema en 1877. La obra titulada “La carga de caballería dada por el coronel Contreras en Treviño” fue presentada en la Exposición Nacional de 1876; aunque estática, la composición del óleo, que se encuentra en la Academia de Caballería de Valladolid, subraya las figuras heroicas del coronel del Regimiento, Juan Contreras Martínez, y del capitán Torres Cañamás, muerto en la acción.

En el inmenso cuadro de Morelli (sobre estas líneas), de siete metros de largo, los lanceros parecen emerger, abriéndose, de un punto de fuga en el centro del cuadro, una representación que captura el dinamismo y el impacto de una carga de caballería, en una exaltación iconográfica usual en la pintura militar oficial del siglo XIX; el punto de vista es semejante al adoptado por Lady Elizabeth Butler, artista célebre en el mundo militar británico del siglo XIX, en «Scotland For ever»,una plasmación de la carga del Regimiento Scots Greys en Waterloo.

Por su parte, el óleo de Banda recuerda a las Batallas de Tetuán y Wad Ras de Fortuny, composiciones en horizontal con profusión de figuras pequeñas, aunque Banda buscó enfatizar detalles en armas y uniformes, al modo positivista

Ricardo Sanfeliz y la filatelia militar

2010-08-13T15:51:00.008+02:00

A raíz del éxito obtenido por las series monográficas dedicadas a pintores españoles, monumentos, conquistadores, escudos de España, trajes típicos, etc., en 1973 la Dirección General de Correos se planteó dentro de su programa filatélico, la emisión de un conjunto de series dedicadas a los uniformes del Ejército Español.

El encargo le fue encomendado a una comisión de expertos, quienes en un principio estimaron conveniente seleccionar los sellos a partir del advenimiento de la Dinastía Borbónica, que es cuando puede hablarse en sentido estricto de unas normas de uniformidad en el Ejército. Sin embargo, esta propuesta fue finalmente desestimada al considerar que era más conveniente comenzar la serie en el momento en que se produce la unidad de España, es decir, a partir del reinado de los Reyes Católicos.

Las ilustraciones de cada serie de sellos le fueron encomendadas al coronel de infantería D. Ricardo Sanfeliz Permanyer, un artista apreciado en su época, pero que el paso de los años lo ha relegado al olvido. Entre 1973 y 1978, Correos emitió 45 sellos, con un valor desde 1 a 25 pesetas, impresos en huecograbado, y con una tirada de 8 millones de ejemplares de cada sello.

Ricardo Sanfeliz (1921-1989) nació en el protectorado español de Larache (Marruecos), sintiendo desde muy joven que la vocación militar llamaba a su puerta. Sus innatas dotes para el dibujo le conducen muy pronto a la ilustración y sus primeros trabajos aparecen en las novelas juveniles de la inolvidable Editorial Molino.

Sus primeros destinos de Oficial le llevan de vuelta a África, y en el Sahara se siente inevitablemente cautivado por el desierto y sus nómadas, que son los protagonistas de su obra, enriquecida con los rojos y los ocres de los atardeceres y los azules de sus diáfanos cielos.

Investigador del uniforme español, colaboró durante años con la revista “Ejército”, confeccionando numerosas colecciones de láminas y tarjetas. Sus trabajos, no solo se publicaron en nuestro país, sino que revistas europeas como: la francesa “Aritma”, las inglesas “Fleeway Library” y “Checkley”, o la italina “Corriere del Piccoli”, también se hicieron eco de sus dibujos.

La obra pictórica de Sanfeliz se mantiene fiel a si misma durante toda su vida, sin exploraciones ni experiencias artificiosas que pudieran haberle apartado del claro y realista estilo propio de la pintura militar, que enlaza directamente con los pintores del siglo XIX y principio del XX, siendo su inspiración los grandes artistas franceses del género como: Meissonier, Neuville o Detaille.

Su última obra como ilustrador, fue para el libro “Tres siglos de caballería española”, y en sus láminas está la síntesis de lo que Sanfeliz quiso comunicar, expresándolo con belleza y profundo cariño: la vida cotidiana del soldado, apresada en una imagen muchas veces fugaz, pero siempre tremendamente humana.

Desde aquí agradecer a mi amigo Fernando González de la Peña, el haberme descubierto este magnifico ilustrador; uno de tantos artistas militares de los que hoy en día poco o nada sabemos, y que pienso debemos dignificar. Va por ti, Fernando.

Pintura Naval

2010-07-30T22:22:00.010+02:00

El mar y su representación pictórica ha sido desde hace siglos uno de los temas preferidos por numerosos artistas, que han elegido con mayor o menor fortuna este tipo de paisaje como fondo o incluso como protagonista de sus composiciones. Las célebres “Marinas”, con sus peculiaridades iconográficas propias, han logrado convertirse en un subgénero dentro de la historia de la pintura.

Rescate del Santísima Trinidad. Augusto Brugada

Pese a su extenso litoral, España apenas dio pintores de marinas hasta bien entrado el siglo XIX. A las topografías portuarias, retratos de barcos dieciochescos, y las imágenes de naufragios del Romanticismo, les sucedieron entonces vistas costeras, costumbres marineras, perfiles de naos y paisajes de playa.
El contraste del agua, el movimiento de las olas, la luz, la profundidad de los objetos o los cielos, son constantes puntos de referencia en este tipo de pintura.

Combate del navío Catalán con el inglés Mary. Rafael Monleón

Dentro de este singular género, destacan por su espectacularidad las escenas con navíos de guerra y las batallas navales, cuyo último fin propagandístico no sólo era mitificar un hecho histórico sino también exaltar el poderío marítimo de una nación. Los lienzos de Veronese y Tintoretto sobre la batalla de Lepanto o los cuadros de los románticos ingleses Turner y Constable sobre la batalla de Trafalgar, son buenos ejemplos del carácter político y conmemorativo de un tema pictórico que también nos ilustra sobre cuestiones distintas como la arquitectura naval o las estrategias bélicas.

Combate del Santa Ana y el Royal Sovering en Trafalgar. Ángel Cortellini

El Museo Naval de Madrid atesora la mayor colección de pintura naval de nuestro país. Las obras, en su mayoría realizadas al óleo, nos muestra una abundante iconografía sobre batallas y combates navales de los siglos XVI al XX; descubrimientos geográficos y expediciones españolas desde el siglo XVI; vistas de puertos y ciudades españolas, europeas y americanas; diversos tipos de buques y embarcaciones; monarcas españoles y diferentes protagonistas de nuestra Historia Naval.

Ataqué inglés a Tenerife. Esteban Arriaga

Dentro de la sección artística, el museo también conserva numerosas estampas y matrices realizadas en diversas técnicas, como calcografía (aguafuerte, buril, aguatinta, etc.) litografía y xilografía, ejecutados por autores de diferentes escuelas, como la española, alemana o flamenca.

Alas y rastreras. Carlos Parrilla Penagos

Entre los numerosos artistas españoles que han destacado en este género podemos citar a los pintores Antonio de Brugada (1804-1863), Rafael Monleón y Torres (1843-1900), Ángel Cortellini Sánchez (1858-1912), Antonio de Caula, Alfonso Sanz, Ignacio Suárez Llanos (1830-1881), Antonio Muñoz Degraín (1840-1924), Ramón Padró (1809-1876), Rafael Tejeo (1798-1856) o Julio García Condoy (1889-1977), entre otros, activos, la mayoría de ellos, durante el siglo XIX y principios del XX.

Marina. Augusto Ferrer-Dalmau

La pintura naval tiene en nuestros días grandes artistas como Carlos Parrilla, Esteban Arriaga o Augusto Ferrer-Dalmau, como protagonistas, a los que me gustaría dedicar más adelante un capítulo aparte.

Para ir haciendo boca, os dejo una web muy interesante sobre estos temas tan marineros.
http://www.todoababor.es/pinturas/index.htm